Si con las cámaras convencionales podías enfocar un único plano de luz, esta cámara permite captar todos los planos de luz en una sola foto. ¿Esto que quiere decir? Que obtienes fotografías mucho más reales con la sorprendente particularidad de que las puedes enfocar posteriormente.

Así como lo oyes. Puedes hacer una foto, llegar a tu casa y con tranquilidad escoger el mejor enfoque. Esto además de ser fascinante le añada rapidez a tus fotografías, ya que no es necesario hacer enfoque o auto-enfoque. Aprietas el botón y listo, ya luego enfocarás como quieras.

La calidad de las fotos es bastante alta, 11 “megarayos” o dicho de otro modo 11 millones de haces de luz, lo que equivale aproximadamente a 22 megapixeles. Cuenta con unas buenas y luminosas lentes de f/2 y un zoom óptico de 8 aumentos.

No hay nada mejor que unos buenos ejemplos para entenderlo y fascinarse con esta nueva tecnología.

Ejemplos interactivos:

Haz clic en las imágenes para enfocarlas a tu gusto

Y un par de vídeos:

Página web de Lytro: https://www.lytro.com/

Alucinante ¿verdad?
¿Qué opinas de esta nueva cámara?

Hay diversas campañas publicitarias que utilizan el cine como medio de inspiración para promocionar productos o utilizan escenas y personajes para promocionar películas.

Por tanto la combinación de publicidad y cine nos evocará momentos de risas, de sensibilidad, de sorpresa o ilusión, ya que se sirve de un pasaje de nuestras vidas para que funcione su especial estilo.

En esta oportunidad les traemos una entretenida selección de anuncios publicitarios inspirados en escenas cinematográficas o personajes de cine.

Esperamos que les guste y comenten, ¿cual les gusta más? ¿Conocen otros ejemplos?

Si te gusta agradeceremos mucho que lo compartas en Facebook, Twitter o donde quieras. ¡Gracias!

Kinetic Gallery from Tentulogo on Vimeo.

Galería dinámica con las mejores marcas creadas por Tentulogo entre el año 2007 y el 2011 | www.tentulogo.com

Desarrollamos imagen de marca: Diseño de logos, creación de nombre, papelería corporativa, aplicaciones, diseño web, posicionamiento, audiovisuales, marketing y publicidad.

Antes de sumergirnos en planificar la manera en la que vamos a emprender nuestra empresa o retos personales, antes de ponernos a pensar las múltiples formas que hay de abordar lo desconocido en el “mundo exterior”, hay que tener una sólida base en el conocimiento de nosotros mismos, porque es dentro de nosotros donde reside la clave del éxito.

Lo complicado no es tu entorno, tus circunstancias, tus vivencias anteriores o posibles fracasos. Lo complicado es despertar y tener la disciplina necesaria para aprender cada día un poco más de nosotros mismos y aprender a tomar el control de nuestro maravilloso potencial.

No es un camino fácil ni rápido. Es una cuestión de constancia, de entrenamiento mental, de traer nuestra consciencia al presente, de vivir atento y despierto, para controlar en todo momento nuestras palabras, nuestros pensamientos y nuestros deseos. Con claridad, con serenidad, con tranquilidad y paciencia, para estar siempre enfocados en lo que queremos, ocurra lo que ocurra, ya que lo habitual es que al menor contratiempo perdemos la fe en nuestras metas y nosotros mismos nos alejamos de ellas.

Hay numerosos escritores y oradores que han hablado sobre este tema desde múltiples perspectivas, algunos de los cuales podrás ver más abajo en múltiples vídeos que hemos seleccionado para ti. Unos son más científicos, otros más espirituales,  otros más materialistas… da lo mismo. Lo más importante y en lo que se pueden resumir las enseñanzas de todos ellos es:

1. Todo lo que desees profundamente lo podrás conseguir. Por eso haz lo que ames, busca lo que te apasione para trabajar en ello.
2. Se íntegro.
3. Se agradecido con lo que ya tienes, con la existencia, con lo que tendrás.
4. Se generoso y comienza dando, comienza ayudando, y esto te será devuelto en su debido tiempo con creces. Es decir, empieza desde ti, si,  pero sin ser egoísta, sino mirando hacia fuera, de dentro hacia fuera.  Todo lo que puedas ayudar, siempre volverá a ti, aunque sea por otros y en otro momento, y paradójicamente, eso te ayudará a encontrarte aún más a ti mismo, ya que cuando uno logra dar de corazón, con gusto y sin pensar en la recompensa, solo por el placer de ayudar y ver feliz a otros, y no porque piense que debe hacerlo o que obtendrá un beneficio por ello, habrá dado un gran paso interior que se reflejará en el exterior.

Recuerda (y esto lo demuestra la física cuántica): Todos somos una misma cosa, todo en el universo es energía. Desde tu silla a tu cerebro, desde el océano a una estrella, desde una galaxia a un pensamiento. Todo se compone de átomos y todos esos átomos forman parte del mismo entretejido de energía, todo está interconectado, por muy incomprensible que resulte al comienzo. Abrete a ello desde tu interior y nada te será imposible.

Les tenemos preparada una interesantísima recopilación de vídeos muy inspiradores.

Si te gustan no olvides compartirlo para que otros puedan también inspirarse y motivarse.

Napoleon Hill

Autor del Best-seller Piense y hágase rico

Warren Buffett

Una de las personas más ricas del mundo y considerado uno de los mejores inversionistas.

Steve Jobs

Creador de Apple y Pixar

Emilio Duró

Un economista muy especial, recomendado

Emilio Duró Optimismo e ilusión 2ª Parte from La Escuela de Inversion on Vimeo.

Emilio Duró

Otra charla de Emilio Duró también recomendada :)

Anthony Robbins

Los tres pilares fundamentales

Ley de Atracción

Video extra de la película El Secreto

Donald Trump

Popular multimillonario

Krishnamurti

Reconocido escritor y orador, recibió la Medalla de la Paz de la ONU

Walt Disney

Sobran las presentaciones

Deepak Chopra

Las 7 Leyes Espirituales del éxito

Física cuántica:

Fascinante cuanto menos este famoso experimento de mecánica cuántica, es decir, sobre esa extraña y misteriosa energía de la cual todos y todo se compone.

Esperamos comentarios, aportes y todo lo que quieran compartir con nosotros!

Después de la entrevista podremos ver parte de su magnífica obra con enlaces a sus webs y galerías.

Entrevista a Andy Rash

(Versión traducida al español, clic aquí para ver la entrevista original en inglés)

Antes de comenzar una breve biografía para situar a nuestros lectores:

Andy Rash nació en Kingsport, Tennessee, en 1967. Realizó sus estudios en Savannah College of Art and Design, B.F.A. y en New York School of Visual Arts, M.F.A.

Actualmente trabaja como freelance, realizando ilustraciones para importantes y diversas  publicaciones:

• American Medical News
• Associated Press
• Barron’s
• Black Enterprise
• Business Week
• Disney Magazine
• Entertainment Weekly
• Fortune Magazine
• International Herald Tribune
• Internet World
• Parents Magazine
• Premiere
• Sports Illustrated for Kids
• Storyworks Magazine
• The New York Times
• The New Yorker
• The Wall Street Journal
• The Washington Post
• Time Magazine
• Time Out Chicago
• Time Out New York
• Wired

A publicado también los siguientes libros:

• Ten Little Zombies: A Love Story
• Are You A Horse?
• Agent A to Agent Z
• The Robots Are Coming
• Superhero School
• Secret Agent Game Time!
• Sea Monster’s First Day

Cuenta además con importantes premios, como son:

• American Illustration
• Communication Arts
• Illustration Now
• Society of Illustrators
• Society of Publication Designers

Sería difícil encasillarlo en un único estilo ya que ha explorado diversos grafismos, todos ellos con gran talento. Personalmente sus retratos pixelados (iotacons) me parecen geniales.

Para muchos ilustradores o diseñadores, la ciudad de Nueva York es “la meca”, siendo además un sueño poder llegar a publicar para revistas como Time Magazine o periódicos como The Wall Street Journal.

Llegar a Nueva York fue una perspectiva aterradora, y yo no podría haberlo hecho sino hubiera ingresado al programa de ilustración de la New York School of Visual Arts. Esta Escuela tiene un programa increíble, y allí he conocido a varios de mis mejores amigos, así como a un par de mis primeros clientes.

¿Te imaginaste en algún momento que llegarías tan alto?

Esa es una pregunta muy buena, pero sinceramente no pienso en mí como si hubiera llegado tan alto. Me siento muy afortunado de haber sido capaz de ganarme la vida a través de mis dibujos y la escritura, pero hay muchos, muchos ilustradores quienes me muestran todos los días cuán alto debo llegar.

¿Te ha resultado difícil llagar hasta donde has llegado?

Si! Fue duro, es difícil, y probablemente siempre lo será. Estoy constantemente promoviendo mi trabajo de freelance, escribiendo libros, creando campos en la televisión, pero es trabajo que amo hacer. Creo que se supone que debe ser difícil.

¿Con qué edad empezaste a dibujar?

Estaba dibujando muebles de pliegue junto con etiquetas y ranuras cuando tenía 4 años, de acuerdo con mi mamá, así que supongo que estaba dibujando al menos por tres.

¿Fueron de gran ayuda y motivación los estudios realizados?

Definitivamente. La Universidad Savannah College of Art and Design tiene un gran programa para aspirantes a diseñadores y artistas. Ellos enseñan cosas importantes sobre diseño, color, la vida, etc. En New York School of Visual Arts, yo estaba perfeccionando mi estilo y aprendiendo más sobre mis clientes, promoción y solucionando problemas visuales.

¿Qué fue antes, la publicación de tus propios libros o las colaboraciones en prestigiosas revistas?

Yo había mostrado mi portafolio entre los editores de libros, pero fue una ilustración que hice para el New York Times Book Review que alentó al director de arte de Scholastic a llamarme para una entrevista. Él me consiguió mi primera publicación. He hecho varios libros con él desde entonces.

¿Tu éxito fue progresivo o existe algún evento concreto que marcó un antes y un después en tu carrera?

Algunas cosas pasaron muy rápido. En mi primer año como freelance hice varias publicaciones incluyendo publicaciones en el New York Times, The New Yorker y Entertainment Weekly. Pero no he estado en  un ascenso constante. Algunos años son realmente buenos, y otros muy malos. Usualmente, si la economía cae, también cae el interés de los periódicos por tontos dibujos. Pero yo continuo consiguiendo nuevas oportunidades de trabajos de ilustración en lugares inesperados.

Muchos artistas pasan por épocas muy complicadas en las que ven muy en riesgo tanto su futuro como su autoestima, ya que no es fácil hacerse con una posición en este mundo tan crítico. ¿Tuviste en algún momento dudas sobre tu futuro? ¿Pensaste en cambiar de profesión o siempre tuviste claro a dónde querías llegar?

Todo el mundo llega a un punto en el que quiere bajar las manos y rendirse. Ser creativo para ganarse la vida es muy difícil, y no hay una enorme cantidad de dinero en ello, pero debe haber algo más allí que significa mucho para mí que no me permite darme por vencido.

¿Tuviste el apoyo de tus familiares y amigos?

Lo tuve y lo tengo. Mis padres siempre están tratando de vender u ofrecer mis libros. Una de mis mejores clientes es mi cuñada. Confío en mis amigos para que me ayuden con los conceptos de redacción e historias. Estoy colaborando con un muy buen amigo en un proyecto de televisión en este momento. El apoyo que más valoro es el de mi esposa, quien es una excelente diseñadora, y me da buenos consejos.

¿Cuál ha sido la publicación de la que más orgulloso te sientes?

Esa es una pregunta difícil. Publiqué un libro el año pasado llamado “Ten Little Zombies: A Love Story” y aunque pueda no ser mi libro favorito, fue ciertamente mi experiencia preferida. Yo me encargué de todo, a excepción de la cubierta y las páginas de guarda,  la puso en línea para mis amigos, y luego Chronicle Books aceptó publicarlo, en esencia como es! Eso fue increíble. Tengo un libro de ilustraciones llamado “Are you a Horse?” del que estoy orgulloso porque creo que funciona muy bien con los niños. Tengo otro libro llamado “Agent A to Agent Z”, el cual es una opción para la televisión animada. Me siento más cerca a ese libro.

¿Y cual consideras que ha sido tu mayor logro o reconocimiento?

No lo sé. Sólo estoy contento de seguir trabajando.

¿Hubo alguna persona o maestro que marcó de forma trascendente tu trayectoria?

Algunas personas me han ayudado de una manera que nunca podré pagar. Tops en esta lista son Steven Heller, director artístico del New York Times Book Review por muchos años y ahora dirige el programa de Diseño de Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales. Él me contrató y contrató y contrató hasta que otros directores de arte empezaron a hacerlo también. David Saylor, quien fue el director de arte que me llamo a Scholastic para una entrevista, ha sido un increíble amigo y colaborador de varios libros con imágenes en ellos. Ahora es director creativo y vicepresidente de Scholastic. Podría enumerar muchos más, pero estas dos personas son trabajadores increíbles quienes me enseñaron una gran amabilidad y paciencia cuando yo estaba aprendiendo del oficio.

¿Tienes algún método definido a la hora de comenzar una ilustración?

No realmente. Usualmente dibujo bocetos con lápices de colores y luego afino las líneas con un lápiz negro. Si es necesario, trazo todo sobre una mesa de luz para reorganizar las cosas y asegurarme de que quepa en el espacio correspondiente. A excepción de los iotacons, como era de esperarse se realizaron mediante el uso de la computadora desde el principio.  El material gráfico para “Ten Little Zombies: A Love Story” fue hecho sin un solo dibujo, sólo pintura sobre el papel. Esa fue una experiencia muy placentera.

¿Con qué tipo de estilo o técnica te diviertes y te sientes más cómodo al dibujar?

Mi primer amor cuando hablamos de una pintura es gouache resist. No suelo utilizar esta técnica tan a menudo pues el plazo que tienen estos trabajos son cortos, pero el arte de varios de mis libros, entre ellos “Are you a horse?” fue hecho de esta manera.

¿Haces muchos estudios y bocetos previos de cada trabajo?

No para los iotacons! El boceto y el acabado son más o menos lo mismo. Sin embargo, para el trabajo editorial, normalmente hago varios bocetos y  muestro al cliente los tres mejores. Para el material del libro, hago un montón de bocetos, pero trato de enseñar el mejor.

Como ya comenté, tus ilustraciones “pixeladas” denominadas iotacons me dejaron fascinado, ya que con unos cuantos cuadrados de colores logras representar a muy diversos personajes reconocibles fácilmente. Hay más ilustradores que usan técnicas similares, pero en tu caso creo que alcanzas un estilo propio de gran calidad, algo muy difícil si se trata de hacer un retrato con unos cuantos cuadrados.

¡Muchas gracias!

Además, en tu blog de iotacons muestras un billete de dolar con esta técnica, alegando que dicha ilustración la realizaste en 1987 con una computadora Atari y usando un joystick. Excelente. Fuiste entonces uno de los primeros en realizar este tipo de ilustraciones. ¿De donde viene el nombre iotacons?

Ese dólar  es una pieza de arte real descubierta recientemente en la casa de mis padres. Como mencioné en el blog, no había nada retro en ese tiempo!

Iotacons es un nombre que yo inventé mediante la combinación de “icon” con “iota” las cuales significan una pequeña pieza, como en la expresión, “ni una pizca”. Estaba tratando de decir que estos retratos son hechos intencionalmente con la mínima información posible. También quise  que sonara como “emoticón”.

¿Tienes alguna técnica en concreto para este tipo de ilustraciones?

Sí, hay un patrón definido a estos iotacons. Cuando se desajustan, sólo hay algunas variaciones en la colocación de los ojos, forma de la nariz, el grosor de las piernas, etc para elegir. Llego lo más cerca que puedo a pesar de estas limitaciones, y también trato de exagerar características de  personas conocidas especialmente, como cualquier caricaturista lo haría. En esta escala, un pixel agregado a la nariz de una persona o la ceja puede hacer mucha diferencia.

¿Cómo logras llegar a ese nivel de síntesis? Ya que cuesta imaginar bocetos en papel de este tipo de ilustraciones.

No hay bocetos en papel. ¡Todo se hace en la computadora! En cuanto al nivel de síntesis, estoy muy contento pues las personas están respondiendo a estas cosas de la misma manera que yo lo hago, pero no creo que lo pueda explicar. Todo puede ser contexto. Por ejemplo, dudo que alguien mirara a los 43 píxeles que utilicé para hacer la cabeza de Paul McCartney y declarar que se parece a Paul McCartney. Creo que cuando tienes cuatro chicos vestidos como la banda Sergeant Pepper Lonely Hearts, se busca el tipo que no tiene la nariz grande, la nariz larga o una sola ceja y dices: “Ese debe ser Paul”

Por último, viendo la variedad de tipos de trabajos que hay en tu web: Books, Editorial, Conceptual, Portraits, Maps, Iotacons… Si tuvieras que elegir una línea de trabajo ¿con cuál te quedarías?

No estoy seguro. Creo que la mayoría de mi trabajo es bastante similar excepto por los iotacons. A pesar de que amo hacerlos, creo que su resolución es demasiado baja para expresar conceptos complejos o emociones. Se trata de un pasatiempo divertido, aunque las he publicado en un par de revistas, incluyendo la última edición de Wired. Si tuviera que elegir, supongo que tendría que elegir el estilo de ilustración que envuelve la pintura, que es la mayor parte del material de no-iotacon.

Muchas gracias por tu tiempo y de parte de todo nuestro equipo, nuestra más sincera enhorabuena por tu trabajo.

Gracias por preguntar!

Ilustraciones de Andy Rash

Puedes ver más en su web, en su blog y en la web dedicada íntegramente a ioatacons.

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Editorial

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Conceptual

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Retratos

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Books

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Agent A to Agent Z. Libro de preproducción de animación para TV.

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Ten Little Zombies: A Love Story

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Sea Monster’s First Day

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Secret Agent Game Time!

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Superhero School

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Random

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Iotacons

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Puedes ver más en su web, en su blog y en la web dedicada íntegramente a ioatacons.

Clic aquí para ver la entrevista traducida junto con una recopilación de sus mejores ilustraciones.

Andy Rash Interview

(Original version)

Before we start, a brief biography to place our readers:

Andy was born in Kingsport, Tennessee, in 1972 (Nineteen Seventy-Two). He studied at the Savannah College of Art and Design, B.F.A. and New York School of Visual Arts, M.F.A.

Currently, he works as a freelancer, doing illustrations for important and various publications:

• American Medical News
• Associated Press
• Barron’s
• Black Enterprise
• Business Week
• Disney Magazine
• Entertainment Weekly
• Fortune Magazine
• International Herald Tribune
• Internet World
• Parents Magazine
• Premiere
• Sports Illustrated for Kids
• Storyworks Magazine
• The New York Times
• The New Yorker
• The Wall Street Journal
• The Washington Post
• Time Magazine
• Time Out Chicago
• Time Out New York
• Wired

Also, he has published the following books:

• Ten Little Zombies: A Love Story
• Are You A Horse?
• Agent A to Agent Z
• The Robots Are Coming
• Superhero School
• Secret Agent Game Time!
• Sea Monster’s First Day

He also has majors awards:

• American Illustration
• Communication Arts
• Illustration Now
• Society of Illustrators
• Society of Publication Designers

It would be difficult to pigeonhole into a single style as he has explored different graphics, all with great talent. I personally believe that his pixelated portraits (iotacons) are great.

To many illustrators or designers, the city of New York is “the Mecca”, being also a dream to get published for magazines such as Time Magazine or newspapers like The Wall Street Journal.

Coming to New York was a scary prospect, and I might not have done it if I hadn’t gotten into the illustration program at the School of Visual Arts. SVA has an amazing program, and I met several of my closest friends there, as well as a couple of my first clients.

Have you ever imagined that at some point you would go this high?
That’s a very nice question, but I honestly don’t think of myself as very high up. I feel very lucky that I’ve been able to support myself with my drawing and writing, but there are many, many illustrators who show me everyday how much higher there is to go.

Did you find it hard to get where you got?
Yes! It was hard, is hard, and probably always will be. I’m constantly promoting my freelance work, writing books, creating television pitches, but it’s work I love to do. I guess it’s supposed to be hard.

What age did you start drawing?
I was drawing fold-together furniture with tabs and slots for assembly when I was four, according to my mom, so I assume I was drawing at least by three.

Were your studies a great help and motivation?
Absolutely. The Savannah College of Art and Design has a great program for aspiring designers and artists. They teach important things about design, color, life drawing, etc. At SVA, I was honing my style and learning more about clients, promotion and solving visual problems.

Which came first, the publication of your own books or collaborations in reputable journals?
I had shown my portfolio around to book publishers, but it was an illustration I did for The New York Times Book Review that encouraged an art director at Scholastic to call me in for an interview. He got me my first book deal, I’ve done several books with him, and I work with him still.

Was your success progressive or is there a specific event that marked a before and after in your career?
Some things happened pretty quickly. My first year of freelancing I got into several publications including The New York Times, The New Yorker, and Entertainment Weekly. But I have not found a steady climb. Some years are very good, and some are very bad. Usually, if the economy takes a dive, so does a newspaper’s interest in silly drawings. But I keep finding new opportunities for illustration work in unexpected places.

Many artists go through very difficult times in which they are greatly at risk in both: their future and their self-esteem, as it is not easy to acquire a position in this critical world. Did you ever doubt about your future? Did you consider changing careers or you always had your point clear?

Everyone comes to a point when they want to throw up their hands and surrender. Being creative for a living is very difficult, and there isn’t an enormous amount of money in it, but there must be something else to it that means so much to me that I can’t give it up.

Did you have the support of family and friends?
I did and do. My parents are always trying to sell or give my books away. One of my best customers is my sister-in-law. I rely on my friends to help me with editorial concepts and stories. I’m collaborating with a very good friend on a television project right now. The support I value most of all is from my wife, who is an excellent designer, and gives me great advice.

What has been the publication you feel most proud of?
That’s a tough question. I published a book last year called Ten Little Zombies: A Love Story, and while it may not be my favorite book, it was certainly my favorite publishing experience. I did the whole thing, save for the cover and endpapers, and put it up on line for my friends, and then Chronicle Books agreed to publish it, essentially as is! That was amazing. I have a picture book called Are You a Horse? that I’m proud of because I think it works very well for kids. And I have a book called Agent A to Agent Z, which is optioned for animated television. I think I feel closest to that book.

What do you consider has been your greatest achievement or recognition?
I don’t know. I’m just happy to keep working.

Was there any person or teacher who made your career so important?
Certain people have helped me in ways I can never repay. Tops on that list is Steven Heller, who art directed The New York Times Book Review for many years and now runs the MFA Design program at SVA. He hired me and hired me and hired me until other art directors started doing it too. David Saylor, who was that art director I mentioned who called me in to Scholastic for an interview, has been an incredible friend and collaborator for several picture books. He is now a Creative Director and VP at Scholastic. I could list many more, but these two people are incredible craftsmen who showed me a great deal kindness and patience as I was first learning the trade.

Do you have a defined method when you start an illustration?
Not really. I usually draw sketches with a colored pencil and then refine the lines with a black pencil. If necessary, I trace the whole thing on a light table to rearrange things and make sure they fit in the space provided. Except for the iotacons, which are unsurprisingly done in the computer from the beginning. The artwork for Ten Little Zombies: A Love Story was done without a single sketch- just paint on paper. That was a very pleasurable experience.

What kind of style or technique do you have fun with or feel more comfortable while drawing?
My first true love when it comes to painting is gouache resist. I don’t get to do it that often for quick deadline jobs, but the art for several of my books including Are You A Horse was done this way.

Do you have many studies and sketches of each job?
Not for the iotacons! The sketch and the finish are pretty much the same thing. But for other editorial work, I’ll usually do several sketches and show a client the best three. For book stuff, I do tons of sketches, but try to show the best one.

As I said, your artwork “pixelated” called iotacons left me fascinated, because with a few colored squares you manage to represent a wide range of easily recognizable characters. There are more illustrators who use similar techniques, but in your case I think you reach a high quality style, very difficult to do if it is a portrait with a few squares.
Thanks very much!

Also, on your blog iotacons you show a dollar bill with this technique, claiming that you made in 1987 with an Atari computer and using a joystick. Excellent. You were then one of the first to perform this type of artwork. Where does the name iotacons come from?
That dollar bill is a real piece of art recently discovered at my parents’ house. As I mention on the blog, there was nothing retro about it at the time!

Iotacons is a name I made up combining the word “icon” with the word “iota” meaning a very small piece, as in the expression, “not one iota.” I was trying to say that these portraits are intentionally done with as little information as possible. I also liked that it sounded like “emoticon,” sort of.

Do you have any particular technique for this type of artwork?
Yes, there is a definite pattern to these iotacons. When you break it down, there are only a few variations of eye placement, nose shape, leg thickness, etc. to choose from. I get as close as I can given these limitations, and also try to exaggerate features people are especially known for, just like a regular caricaturist would. At this scale, a single pixel added to a person’s nose or eyebrow can make a lot of difference.

How do you reach that level of synthesis? It’s hard to imagine sketches on paper with this kind of artwork.
No paper sketches. It’s all done in the computer! As for the level of synthesis, I’m really glad people are responding to these things in the same way I do, but I don’t think I can explain it. It may all be context. For example, I doubt anyone would look at the 43 pixels I used to make Paul McCartney’s head and declare that it looks just like Paul McCartney. I think when you have four guys dressed up like Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club band, you look for the guy who doesn’t have the big nose, the long nose or the unibrow and you say, “That must be Paul.”

Finally, seeing the variety of types of jobs that are on your site: Books, Editorial, Conceptual, Portraits, Maps, Iotacons … If you had to choose a line of work, which one did you choose?
I’m not sure. I think most of my work is pretty similar except for the iotacons. As much as I love doing them, I think they are too low-res to convey complex concepts or emotions. They are a fun hobby, although I have had them published in a couple magazines, including the current issue of Wired. If I had to choose, I guess I would have to choose the illustration style involving paint, which is most of the non-iotacon stuff.

Thank you very much for your time and from part of our team, our sincere congratulations on your work.

Thanks for asking!

Clic aquí para ver la entrevista traducida junto con una recopilación de sus mejores ilustraciones.

Está aún en fase de pruebas pero todas las críticas de la prensa especializada son excelentes, ya que tiene todo lo que se podría esperar de una red social moderna más algunos añadidos ingeniosos como su nueva funcionalidad llamada “Círculos”, entre otras cosas. ¡Mira los vídeos y descubre sus novedades!

Lo más destacado de Google Plus

Primero un vistazo general:

Círculos:

Sparks (Intereses):

Hangouts (Quedadas):

Subidas instantáneas:

Huddle:

Explora sus configuraciones:

Competencia

Y está claro que en el momento que surge fuerte competencia entre varias empresas, los primeros beneficiados somos los usuarios, ya que al parecer Facebook ya ha anunciado que la próxima semana lanzará algo impresionante. Habrá que ver. Desde luego aquí ya ha comenzado una guerra de dos titantes de Internet que sin duda nos traerá muchas novedades e ingenio. Solo queda ver y esperar :)

¿Quieres ver más?

• Puedes ir directamente a la página oficial de Google Plus: Google +
• Aquí puedes encontrar información general y detallada: Más información Google +

¿Y tu qué opinas?

Nos gustaría saber tu opinión. Por nuestra parte nos ha gustado bastante, se ve que se han esforzado mucho por hacer algo modero y actual, incluido modernizar el propio buscador de Google para que todo esté a la altura. Es un proyecto muy interesante al cual seguiremos sus pasos muy de cerca. ¿Tú qué opinas? ¿Te gusta?

En la línea de nuestro anterior artículo referente a la importancia de la imagen de marca para su empresa, Antoine Kerfant, gerente de www.cofike.com nos habla esta vez de otro aspecto fundamental: la importancia del plan de empresa para el futuro emprendedor.

Muchos futuros emprendedores no saben en que consiste un plan de negocio o plan de empresa. Es habitual que piensen en elaborar uno solamente cuando se dan cuenta que el banco lo va a exigir para financiar el proyecto. Sin embargo, no es un mero documento financiero que solo leen los posibles inversionistas. Es antes que todo una verdadera herramienta de decisión para el emprendedor.

Me gusta citar esta frase de Eisenhower: “En las batallas te das cuenta que los planes son inservibles, pero hacer planes es indispensable.” En otras palabras, por muy preparados que estemos, las cosas siempre van a salir de otra forma que lo que teníamos previsto, pero si no nos preparamos, estamos condenados al fracaso.

¿Qué es un plan de negocio?

Se trata de un documento de diez a treinta páginas donde vamos a analizar dos aspectos fundamentales del proyecto: lo comercial y lo financiero.

Lo fundamental para cualquier negocio es tener clientes para sus productos y servicios, por ello es lógico dedicarse en primer lugar a estudiar nuestra oferta y nuestro mercado. Tenemos que tener muy claro lo que vendemos y a quien lo vamos a vender. También es muy importante estudiar lo que hace nuestra competencia y responder a esta pregunta primordial: ¿Por qué el cliente va a comprarme a mí en lugar de mi competencia? En otras palabras, tenemos que identificar lo que vamos a aportar al cliente que los demás no ofrecen.

El estudio comercial no es fácil de elaborar, porque nadie puede afirmar con certeza cuales serán las ventas futuras de una empresa. Sin embargo el estudio de mercado da unos datos objetivos que permiten hacer estimaciones con una fiabilidad aceptable. El resultado de todo el informe comercial es una valoración de las ventas probables de la futura empresa.

El segundo punto muy importante es saber si estas ventas previsionales van a permitir sacar una rentabilidad suficiente, o si al contrario el proyecto no es viable. Para esto, se elabora un informe económico, que estima los gastos necesarios para desarrollar la actividad y las inversiones requeridas. Con estos datos se elaboran cuadros financieros muy importantes como la cuenta de resultados, el balance de la empresa y la evolución previsional de la tesorería. De esta manera, podemos saber que rentabilidad puede tener el proyecto y que financiación será necesaria (al principio y a lo largo de los años).

Si no se hace un plan de negocio, si el emprendedor se lanza confiando en su idea y en su suerte, es posible triunfar, pero la probabilidad de fracaso aumenta de forma dramática. Por otra parte, tener un plan de negocio no garantiza el éxito, pero aumenta mucho la probabilidad de que el proyecto salga bien. En efecto, muchos de los problemas potenciales se pueden identificar y corregir antes de iniciar la actividad. Por dar un ejemplo: sin datos sobre la competencia y la rentabilidad, poner un precio a un producto es una verdadera lotería. El plan de negocio permite tomar una decisión con un conocimiento mucho mayor.

Además, un plan de empresa completo contiene otras informaciones, en particular sobre aspectos de recursos humanos, técnicos o jurídicos, que permiten entender las problemáticas de la futura empresa en su conjunto.

Como obliga al emprendedor a preguntarse muchas cosas, también le ayuda a aclararse y a ser más convincente a la hora de negociar con socios, inversionistas y bancos. Lo ideal es que lo elabore una persona profesional, ajena al proyecto, que podrá valorarlo de forma mucho más objetiva e incluso aconsejar al equipo que lidera el proyecto sobre los puntos mejorables.

Consultoría Financiera Kerfant elabora tu  plan de negocio profesional totalmente personalizado.

Antoine Kerfant, gerente de Cofike.com

Según esta noticia que publicó Google, a partir del 1 de agosto, quien quiera disfrutar de las magnificas y gratuitas herramientas como Gmail, Google Calendar, Talk, Docs, entre otros, deberá tener actualizado su navegador.

¿Por qué es importante esta noticia?

Aunque para muchos pueda parecer una tontería, realmente supone un gran avance, ya que actualmente la programación web está evolucionando mucho más rapido que la velocidad a la que los usuarios actualizan sus navegadores.

Esto se traduce en que los  desarrolladores de todo el mundo no pueden todavía utilizar todo el potencial de las nuevas tecnologías, como por ejemplo HTML5,  ya que siempre tienen que intentar que los sistemas web que programen se adapten al mayor número posible de navegadores, teniendo que renunciar en muchas ocasiones a utilizar los últimos avances en programación.

Con esta importante decisión de Google los usuarios se verán en cierto modo obligados a actualizar sus navegadores, por lo que será un gran aliciente para que los sistemas web evolucionen mucho más rápido, los cual nos beneficiará a todos con nuevas y sorprendentes herramientas, aplicaciones y formas de interactuar con el contenido.

En la noticia, Venkat Panchapakesan, vicepresidente de ingeniería de Google, escribió: “Estos nuevos navegadores son algo más que una conveniencia moderna, son una necesidad para lo que depara el futuro”.

A medida que se vayan lanzando nuevas versiones de cada navegador, Google trabajará con ellas y dejará de apoyar a la antepenúltima versión.

¿Qué es un navegador web?

Tal vez no tengas claro lo que es un navegador web. Dicho de un modo sencillo es un programa mediante el cual visualizas las páginas web (con el cual “navegas” por internet), como por ejemplo el que estás usando ahora mismo para ver esta y otras páginas, con su botón de retroceder arriba a la izquierda, su caja de direcciones en la parte superior, botón para guardar en favoritos, etc.

Los más conocidos son: Firefox, Internet Explorer, Chrome, Safari y Opera.

¿Cómo de bueno y moderno es mi navegador?

Una buena forma de medir si tu navegador está adaptado a los nuevos tiempos, es ver si soporta bien HTML5. Para ello, puedes entrar en esta web y ver cual es la puntuación que consigue tu navegador.

En esa misma web, podrás encontrar esta otra sección donde te indica las últimas versiones de los diferentes navegadores y su compatibilidad con HTML5.

¿Cual es la peor versión que podría tener y qué consecuencias supone?

Cualquier versión no actualizada de cualquier navegador supone estar más susceptible a virus, amenazas, espías, incompatibilidades, lentitud e inestabilidad.

Pero si alguno se lleva la palma, Internet Explorer 6 es actualmente el peor navegador. Si usas esta versión (6) del navegador, te recomendamos encarecidamente que actualices.

Es el navegador que viene por defecto al instalar Windows XP, por eso, a pesar de que Windows ya está tomando medidas para que cada vez menos personas lo usen y actualicen, según datos de Microsoft, todavía un 11% a nivel mundial usan IE6. Aunque también hay que indicar que varía mucho de unos paises a otros. Alrededor del 34% de los usuarios de internet chinos utilizan IE6, al igual que el 22,3% de los usuarios de Corea del Sur y el 11,6% de los vietnamitas.

De todos modos, aún es un porcentaje alto, ya que además, en algunas empresas impiden instalar programas y mantienen IE6 como el navegador base.

Esperamos que con la nueva iniciativa de Google estos datos cambien rápidamente y los usuarios que usen navegadores obsoletos  actualicen de una vez.

¿Cómo actualizo mi navegador?

Es muy sencillo, solo tienes que ir a las páginas de cualquiera de los principales navegadores y seguir los sencillos pasos que ahí te darán.

Aquí los enlaces a los principales navegadores web:

• Mozilla Firefox
• Google Chrome
• Internet Explorer 8 (Usuarios Windows XP)
• Internet Explorer 9 (Usuarios Windows Vista y Windows 7)
• Apple Safari
• Opera

Ya en Google Earth había una pequeña pista desde hace varios años: había una capa referente al Museo del Prado, en donde si hacías clic en el icono, te llevaba virtualmente dentro del museo para ver unas cuantas obras a una resolución nunca vista antes.

Parecía que ya había quedado en el olvido esa gran idea cuando de pronto Google sacó Art Project, sin duda una revolución para disfrutar y estudiar las grandes obras del arte.

No solo se pueden recorrer los museos virtualmente, con vistas 360º y con la técnica de Street View, sino que además, en muchas de sus obras se puede hacer zoom de un modo espectacular, visualizando detalles nunca vistos antes.

Dos vídeos introductorios:

Es fascinante ver todo el despliegue tecnológico mostrado en el segundo vídeo, toda la gente que hay detrás de un proyecto de esta embergadura, para que después nosotros podamos disfrutarlo de forma gratuita.

Desde luego que Google está siendo una revolución de la información y la cultura. Muchas gracias Google! Cuando era estudiante de Hª del Arte siempre soñé con algo así. Ya antes de tener internet, conseguir la imagen de un determinado cuadro era toda una odisea. Llegó internet, y el solo hecho de poder encontrar rápidamente la imagen de un cuadro con 300 px de ancho y 72 de resolución era ya todo un lujo! Poco a poco la calidad fue aumentando y ahora esto… que marcará un antes y un después en el estudio del arte.

Lo que me extraña es que al menos de momento, no aparece el Museo del Prado, que es uno de mis favoritos, siendo además el pionero en el Google Earth con aquella capa que les comentaba al principio. Tampoco está el Louvre ni el Guggenheim, pero si hay otros grandes museos, y supongo que poco a poco continúen publicando más y más obras en más y más museos. Espero que esto sea solo el comienzo.

Algunos cuadros tienen mucha más ampliación que otros. A veces, dado el tamaño de la ampliación, hay que esperar unos segundos para ver la imagen ampliada con resolución óptima.

Por ejemplo La Primavera de Botticelli tiene poca ampliación. En cambio, El Nacimiento de Venus, del mismo autor, tiene un nivel de ampliación espectacular, pudiendo ver detalles sorprendentes de las pinceladas, el lienzo, irregularidades, los trazos, etc.

Aquí un ejemplo:

http://www.googleartproject.com

¿que les parece esta nueva herramienta de Google?

La gran mayoría de emprendedores que comienza por primera vez un negocio descuida un aspecto fundamental: la imagen de marca.

Las preocupaciones referentes a los trámites, papeleos, negociaciones, entrevistas, análisis, posible renta o compra de local, su acondicionamiento, etc. hacen ver la creación de marca en muchas ocasiones, como algo irrelevante y aplazable.

Pero si se analiza desde una perspectiva global, desde fuera (que es lo que ven los clientes) y a largo plazo, nos damos cuenta de que un establecimiento, los empleados, las negociaciones o las estrategias son activos o circunstancias que van y vienen, mientras que la marca permanece y crece. Es realmente el activo de la empresa que más dinero puede valer a la larga, el que más debe durar y sobre todo, la clave para representar y atraer a nuestros potenciales clientes de una forma correcta.

Un buen ejemplo sería la marca Google.  Actualmente está valorada en miles de millones de dólares, ya que puedes hacer un buscador parecido o mejor que Google, pero será muy difícil superarlo por el simple hecho de que todo el mundo reconoce la marca Google como el mejor buscador. Es sobre la marca donde se acumulan todos los valores y conceptos de una empresa.

La marca es el “rostro” de su empresa.

Para poder entender la importancia que conlleva que su marca proyecte una imagen positiva, tan solo es necesario hacer una sencilla comparación entre la imagen de marca y el aspecto de una persona que acabamos de conocer.

Su rostro, su mirada, su armonía facial, su corte de pelo, el tono de su cabello o de su piel, la ropa que lleva, sus gestos, su presencia, el timbre de su voz… todos estos elementos son interpretados a la velocidad de la luz de forma inconsciente en cada encuentro con una nueva persona, y la clasificamos en función de referentes almacenados en nuestra memoria y de los conceptos que asociamos con nuestros recuerdos.

En función de todos esos factores etiquetamos a las personas de muy diversas formas, que pueden ser positivas como:  atractivo, inteligente, fuerte, amigable, simpático, profesional, trabajador….  O por el contrario, muchas veces prejuzgamos por aspectos inconscientes de forma muy negativa a personas que acabamos de conocer, alegando tal vez que cierta persona nos pareció  descuidado, poco atractivo, desaliñado, ignorante, sin ganas de trabajar, perezoso, débil, enfermizo, conflictivo o incluso peligroso y amenazante.

Lo que cada cual piensa dentro de si mismo es algo que no podemos ni conocer ni controlar. Cada individuo tiene su propia estructura mental, sus recuerdos, asociaciones e intereses.

Pero de todos modos, hay una serie de patrones, de puntos en común que tanto en las personas como en la imagen de marca de las empresas se cumplen. Un profesional del diseño debe saber controlar y orientar correctamente estas circustancias, siendo un aspecto FUNDAMENTAL para conseguir que nuestra marca sea una perfecta herramienta de comunicación que “dialogue” coherentemente de forma inconsciente con nuestro público objetivo.

Nuestra marca se irá enriqueciendo con el tiempo mediante todos los demás factores que acompaña a la empresa, desde su estrategia de marketing, publicidad, formación y capacitación de sus empleados, la calidad y precio de nuestros productos o servicios, etc.

Son muchos los factores que le irán dando forma al concepto que cada cual tendrá de su  empresa, pero de lo que no cabe duda, es que la marca será sus cimientos, será la imagen, el concepto gráfico, el icono, la tipografía, los colores… en otras palabras, será el “rostro” que cada individuo recordará en su mente.

Y sobre ese rostro, irán amontonando todas las demás sensaciones y experiencias que vayan teniendo con su empresa, por lo que si desde el comienzo la marca en si misma produce rechazo al potencial cliente, tenga por seguro que sobre esos cimientos, todo lo demás que acumule encima ya tendrá un prejuicio negativo que solo perjudicará a su empresa.

Desde nuestra experiencia y análisis empresarial durante años, le recomendamos que reflexione muy profundamente sobre este aspecto. Analice la imagen de marca de las grandes empresas. No es casualidad que todas ellas cuenten con una marca de calidad y profesional. De esas grandes marcas habrá unas que le gusten más que otras, eso es totalmente lógico ya que están orientadas a diferentes públicos objetivos, pero tenga por seguro que detrás de cada una, hay un meticuloso estudio de mercado y que cada línea, color o forma tienen un por qué.

Y el gran factor que pocos tienen en cuenta

En nuestro estudio de diseño, como venimos comentando, le damos mucha importancia al análisis previo de las empresas, su mercado y su competencia, pero además, hay otro factor que muy pocos comentan y que a decir verdad, desde mi experiencia personal, creo que es vital:

Se trata de lo que la marca significa como concepto, como “ente vivo” para el propio cliente, sobre todo si hablamos de emprendedores que se inician por primera vez en el mundo empresarial.

Es decir, no solo se trata de crear una imagen que seduzca a su público objetivo y entre a competir en el mercado, sino que además, debe ser una marca que a usted antes que a nadie, le seduzca y le motive, con la cual se sienta representado, una marca con la que se sienta feliz y orgulloso de mostrar en sus tarjetas, carpetas y demás elementos corporativos.

¿por qué decimos esto?

Porque después de haber trabajado con cientos de clientes nos damos cuenta de lo vital que es estar feliz con la marca final. El cliente que está feliz con su marca crea dentro de si un concepto de su empresa mucho más real.

Con una marca de calidad se siente mucho más capaz de conseguir cualquier meta que se proponga, ya que una buena marca no solo sirve para orientarnos correctamente hacia nuestros clientes, sino que además sirve para materializar gráficamente nuestros sueños, para motivarnos, nos ayuda enormemente a visualizar un futuro exitoso, nos da una imagen, un “rostro” para levantarnos apasionados cada mañana con el propósito de conseguir que esa marca, esos sueños que tenemos en mente, se hagan una realidad.

Si ya desde el comienzo no valoramos ni creemos en nuestra marca, no le damos la importancia que se merece, consideramos que nuestro vecino o nuestro primo que maneja el Photoshop o el Corel puede diseñarla en 5 minutos… Ahí estamos poniendo en evidencia nuestros sueños y ambiciones. Debemos ser los primeros en valorar y querer una marca acorde, profesional, atractiva que nos inspire éxito y confianza en nosotros mismos, ya que la veremos día tras día.

Hay que mirar nuestra marca como a un recién nacido en el cual ponemos todos nuestros deseos de que sea feliz, sano, exitoso, fuerte, enérgico, positivo, íntegro y alegre.

Como último consejo, de parte de todo nuestro equipo, sea cual sea su decisión final, le deseamos muchos éxitos y ante todo le recomendamos: ¡¡no se rinda!! Luche, busque aquello que le apasione, tenga una clara visualización de lo que quiere conseguir y levántese cada mañana pensando en ello, no se desenfoque, sea feliz, haga feliz, sea creativo, agradecido, soñador y trabajador y con ello tendrá el 99% de su éxito.

José Vicente Rojo, Director creativo de TenTuLogo

Vamos a hacer una encuesta para que con el tiempo, ir viendo cual es el color preferido de la mayoría.

Esta encuesta también permanecerá permanente en la barra lateral de la izquierda, baja un poquito y la verás :)

Aunque los colores dependan mucho del día en el que se esté y de su uso, seguro que si lo piensas un poco, hay algún color que te guste sobre todos los demás. ¡Dinos cual es! :)

Gracias por tu voto, y si puedes hacer que tus amigos también voten, podremos tener unos interesantes resultados para ver cuales son los colores que más gustan.

Ah! y tal vez te interese también este artículo: La Psicología de los colores

Muy interesante esta camapaña de los helados Magnum llamada Pleasure Hunt.
Sin duda, todo un “derroche” tecnológico y creativo que te sorprenderá.

www.pleasurehunt.mymagnum.com

Breve biografía introductoria:

“Emilio Duró Pamies es Licenciado en Ciencias Económicas y Master en Administración de Empresas por la Escuela Superior de Administración y Dirección de Empresas (ESADE) y Licenciado en Ciencias Económicas por la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha sido Profesor Colaborador de distintas Universidades, entre ellas, La Fundación Universidad-Empresa de la Universidad de Navarra, Pompeu Fabra, Escuela de Negocios Caixanova e INEDE.

Es Consejero Externo de RIOFISA y ADOLFO DOMINGUEZ. Así mismo ha sido Directivo de empresas de gran consumo como Martini Rossi y Yoplait-ATO.

En la actualidad y desde hace más de 20 años trabaja como Consultor y Formador en empresas nacionales y multinacionales de diversos sectores como son: MICROSOFT, TELEFONICA, ONO, INDITEX, AON GIL & CARVAJAL, ALCATEL, BARCLAYS, BRISTOL-MYERS SQUIBB, WILLIS, CAJA MURCIA, SANITAS,, BASF, BSCH, BBVA, IKEA, RIOFISA, MANGO, MICROSOFT, RENFE, VILLEROY & BOSCH, UDV, FORUM FILATÉLICO, UNILEVER, ZURICH, WINTERTHUR, HEWLETT PACKARD, etc.”

La conferencia, que rápidamente se a propagado por internet por su indudable valor, fue impartida en el VI Congreso de Comercio Gallego, que aunque en un principio debería tratarse de negocios y economía, más bien trata todos esos problemas desde la raíz, ya que para que un negocio te vaya bien, como ya hemos dicho anteriormente en otros artículos, primero hay que trabajar el interior de cada uno de nosotros, ya que ahí está toda la fuerza y energía para conseguir lo que nos propongamos.

Son 2 partes, duran una hora cada una aproximadamente. Si tienes poco tiempo, comienza por la segunda parte que es la más interesante.

Emilio Duró Optimismo e ilusión 1ª Parte from La Escuela de Inversion on Vimeo.

Emilio Duró Optimismo e ilusión 2ª Parte from La Escuela de Inversion on Vimeo.

Actualización:

Entrevista de Buenafuente a Emilio Duró en la Sexta:

Si te gusta no olvides compartir y comentar este artículo :)

John Boswell es un músico y productor que se ha dedicado a hacer impresionantes vídeos musicales basados en fragmentos de conferencias y documentales de ciencia.

Al comienzo parecen un poco extraños, pero cuando ves varios comienzas a admirar el trabajo de esta persona, ya que debe ser complicado hacer este tipo de vídeos, darle un concepto a cada vídeo, buscar los fragmentos, sincronizarlos, ecualizarlos, darles esa extraña melodía a las voces…. podría decir que casi hasta resultan adictivos! Porque dicen cosas fascinantes, que a los que nos gustan estos temas ya conocíamos, pero que dicho de esta forma tan poética y musical, sin duda te llega más adentro.

En estos vídeos podrás ver a científicos y aficionados de la ciencia, que van desde Carl Sagan a Stephen Hawking, Michael Shermer, Richard Dawkins, Jacob Bronowski, Neil deGrasse Tyson, Lawrence Krauss, Jill Tarter, Richard Feynman, Brian Greene, Carolyn Porco, entre otros.

Esta es la web del proyecto Symphony of Science (Sinfonia de la ciencia)

Y aquí están algunos de esos vídeos con subtítulos en español:

Les presentamos la obra y una entrevista en exclusiva de Luis Gaspardo, un ilustrador caricaturista argentino de gran talento, con un genuino estilo y una empatía fuera de lo normal para captar la esencia y personalidad de los personajes que retrata, lo cual le ha llevado a un éxito ya indiscutible, trabajando para importantes revistas como Don Balón en Barcelona, o para personas como Buenafuente y Berto, del afamado programa de la Sexta (Canal español de TV).

Es por lo tanto un placer para nosotros que haya aceptado la entrevista para nuestro blog de TenTuLogo, entrevista que les mostramos a continuación, no sin antes, presentar primero su obra:

Cine

Jim Carrey

Morgan Freeman

Russell Crowe

Al Pacino

Brad Pitt

Leonardo DiCaprio

Geroge Lucas

Música

Louis Armstrong

John Lennon

Bob Marley

Jimi Hendrix

Madonna

Britney Spears

Arte

Velázquez. Retrato de Felipe IV

Velázquez. El triunfo de Baco (Los borrachos)

Velázquez. La fragua de Vulcano

Velázquez. Inocencio X

Rembrandt. Autorretrato

Ingres. Princesa de Broglie

Ingres. Louis Francois Bertin

Ingres. Count Guriev

Johan Vermeer. Youg woman standing at a virginal

Deportes

Maradona

Thierry Henry

Messi

Ronaldinho

Cristiano Ronaldo

Luis Aragonés

Puyol

Puyol 300

Riquelme

Florentino Pérez

Johan Cruyff

Tiger Woods

Rafa Nadal

Mike Tyson

Política

George Bush

Yasser Arafat

Hugo Chávez

Particulares

"Con tu obra de arte"

"Con tu ídolo"

Disco Andoni

Tres chicas

Amigos

En Buenafuente

Portada libro Buenafuente

Villa en el programa de Buenafuente recibiendo la caricatura de Luis Gaspardo

Volver a la risa

Buenafuente y Berto

"Piratas del Caribe"

Buenafuente a lo "Sebastian de Morras" de Velazquez

Fantasía de Berto

Y este interesante vídeo en donde se ve a cámara rápida como hace estas caricaturas:

Entrevista a Luis Gaspardo para TenTuLogo

Luis Gaspardo. Autorretrato

Hola Luis, muchas gracias por aceptar nuestra entrevista.

Cuéntanos primero, para que nuestros lectores se sitúen, cómo comenzaste en la ilustración, dónde, con qué edad, tus primeras “aventuras” en el mundo del arte y cual fue “la chispa” que te catapultó a tu actual éxito.

Con la ilustración comencé de una manera tan natural, que no podría decir cómo ocurrió, ni qué lo motivó. Me recuerdo siempre dibujando.

Aprendí copiando, primero copiando todo lo que se me cruzaba en el camino y después aprendí a elegir a quienes copiar.

Profesionalmente comencé muy temprano. A los 13 años publiqué mi primer dibujo en el Diario “El Litoral” de Santa Fe, que es mi ciudad natal.

La primera gran aventura fue mudarnos con mi mujer, de Santa Fe a Buenos Aires; porque era un gran desafio de adaptación para ambos.

Empezábamos nuestra convivencia lejos de nuestras familias, en una gran ciudad donde no conocíamos a nadie y donde todo era diferente, sobre todo más rápido.

En Buenos Aires, conseguí que me contrataran para trabajar en la revista “Humor”, que era el sueño de cualquier dibujante, porque era una revista de mucho prestigio por la calidad del material que publicaba. Y al poco tiempo tuve la suerte de que me encargaran las portadas de esta revista. Entonces muchos otros medios se interesaron más en mi trabajo y acabé publicando prácticamente en todos los medios gráficos de Argentina.

¿Mi actual éxito?, supongo que te refieres a lo que hizo que muchos españoles me conocieran.

Empezó como empieza todo lo que vale la pena, jugando. Empecé a dibujar a Andreu Buenafuente y a Berto Romero, simplemente por admiración y por diversión. Me sentía agradecido por la forma en que trabajaban para arrancarnos la risa. Por el enorme talento que tienen, pero más que nada por el respeto a la inteligencia del público.

Pronto comencé a preguntarme por qué los dibujaba tanto y se me ocurrió escribir algo en mi blog sobre ellos. Me gustó y se los envié y por suerte a ellos también les gustó.

Luego Andreu me sorprendió encargándome la portada de su libro y me ha nombrado en su programa. Y Berto publicó mis dibujos en su blog con tantos elogios, que supongo que sus seguidores se veían casi obligados por la curiosidad a entrar a mi blog.

Aunque desde hace 10 años publico ilustraciones en la revista “Don Balón” de Barcelona, los españoles me empezaron a conocer gracias a Andreu y a Berto.

Si, ya hemos visto en el programa de Buenafuente lo bien que hablan de ti (merecidamente). ¿cómo es trabajar para Buenafuente, Berto y toda esa “banda” de geniales humoristas?

Siempre es fácil y grato trabajar con gente inteligente. La realización de las ilustraciones para el libro de Andreu, fueron asi. Una muy buena idea de Andreu, que casi no necesitó correcciones luego de la realización. Mucha libertad y respeto artístico mutuo. Un privilegio, para mí, que me haya elegido.

Andreu y Berto fueron muy generosos conmigo y han hecho menciones de mi trabajo en el programa y en sus blogs particulares. Pero quiero decir, que jamás he hablado siquiera por teléfono con ninguno de los dos, ni los conozco personalmente. Obviamente, espero conocerlos pronto.

¿Cual es la persona famosa para la cual hayas trabajado o de la que hayas recibido alguna felicitación de la que te sientas más orgulloso?

Hace poco realicé por pedido de una amiga una caricatura de Monty Python junto a los hermanos Marx y esta amiga se la envió a Terry Gilliam. Era una pintura digital. Le gustó mucho, al punto de que ahora le estoy haciendo una versión al óleo. Mi amiga me reenvió el mail con los comentarios de Terry y yo no podía creer lo que leía.

¿Cuánto tiempo te suele llevar hacer una de esas espectaculares caricaturas como por ejemplo la de Louis Armstrong o George Bush? (entre otras muchas)

Esas caricaturas las hice para mí, entonces me pude tomar el tiempo que quise. Me llevaron cuatro o cinco días cada una. Las caricaturas de obras de arte, una semana y media aproximadamente.

¿Cual es la ilustración o pintura a la que más cariño le tienes? ¿la que más te guste o más simbolice para ti?

Sin duda es la caricatura del cuadro de Velázquez: “Los borrachos”. Velázquez es un genio, del que uno puede aprender toda su vida y otras si las tuviera. Al no tener formación académica, mis maestros fueron los grandes pintores y escultores. Sobre todo Velázquez. Y ese cuadro en particular, es muy importante para mí.

¿Y cual es la que más te ha costado terminar? ¿La más difícil de todas?

La más difícil y una de las más gratificantes, fue una que hice para un cámara de Buenafuente. Un retrato junto a su mujer, caracterizados como un cuadro de Van Eyck. Acabé rendido de admiración por Van Eyck, después de insultarlo repetidamente.

Hubo muchas caricaturas difíciles. Algunas tan difíciles que nunca pude terminar.

Está claro tu gusto por la historia del arte. Aquí más que una pregunta, es otra enhorabuena, porque realmente en tus versiones son dichos cuadros pero reproducidos con tu estilo. ¡Formidable!

A parte de estos artistas históricos ya nombrados, ¿quiénes más han sido tus “maestros”? ¿A quiénes admirabas desde tus comienzos en el arte? ¿tus mayores influencias?

Como decía, no tuve maestros, pero sí muchísimos artistas que admiraba y admiro y de los que traté de aprender. Velázquez, Miguel Ángel, Vermeer, Rembrandt, Toulouse Lautrec, Rodin, Daumier, Lucien Freud, entre los más conocidos.

Y luego los más contemporáneos, algunos de los cuales tuve la suerte de conocer: Izquierdo Brown, Cascioli, Nine, Sábat, Breccia, Krugger y seguro hay más.

De todos, traté de tomar algo. Algunos son inalcanzables, inimitables, pero siempre pueden ayudarte a mejorar.

¿Has recibido alguna vez alguna crítica negativa, tal vez de alguien que no estuviera de acuerdo con que le retrataras?

Si, siempre hay críticas malas. Y también hay siempre gente que no tiene sentido del humor. Un político dijo una vez que habría que cortarme las manos. Yo creo que eso se podría considerar como una mala crítica.

Y también he recibido críticas de colegas, muy duras. Algunas de ellas, luego de un tiempo, cuando conseguí mirar con más objetividad lo que había hecho, me fueron muy útiles. Las malas críticas más duras, siempre son las de las personas más cercanas.

¿Por donde sueles comenzar? ¿haces muchos bocetos previos? ¿sueles trabajar en base a una o varias fotos…?

Hago muchos bocetos hasta comprender las formas. Para eso necesito tener al menos una foto de frente y una de perfil, sobre todo cuando es un encargo particular y no conozco a los retratados.

Una vez que comprendo la forma y cómo voy a deformarla, empiezo el dibujo. Las dudas siempre existen en una ilustración y a veces la enriquecen. Pero si tienes demasiadas dudas, se siente como una falta de naturalidad y eso no me gusta. Por eso trato de comprender antes de comenzar el dibujo final.

¿Qué técnica sueles utilizar más habitualmente? ¿sueles trabajar todo de forma digital o “te manchas las manos” con acrílicos, ceras u otras pinturas?

Me gusta mucho el óleo, el acrílico, el pastel y la acuarela. También el lápiz, de hecho, los bocetos los hago en lápiz. El trabajo en el diario de Santa Fe, era con lápiz carbón o acuarelas. Y trabajé en lugares turísticos haciendo retratos, a veces 20 por día. Entonces adquirí mucho oficio, sobre todo con el lápiz y también para conseguir el parecido de la persona.

Los retratos por encargo los hago digitales, salvo raras excepciones, porque es imposible cobrarlos como necesitaría por el tiempo que me demandan. Soy muy detallista. En ese sentido, la pintura digital ofrece muchas ventajas. Es más rápido, puedes corregir, usar capas para probar un fondo u otro, etc.

Pero me encanta ensuciarme las manos. Me encanta la escultura, también. He trabajado mucho como escultor y en escenografía y utilería para teatro y Ópera.

Y para terminar, si se puede saber, ¿en qué estás trabajando actualmente? ¿algún encargo importante?

Estoy trabajando en la pintura que les conté antes, para Terry Gillian. Y estoy trabajando bastante en unas esculturitas que quiero empezar a ofrecer en mi blog, para que puedan encargarme retratos y caricaturas escultóricas además de dibujos.

Pronto seguramente tendré novedades acerca de ésto.

Muchas gracias Luis por tu tiempo, y para los que quieran conocer más o comprar posters a gran resolución de su obra con tus personajes favoritos o hacerle encargos a medida visita sus webs:

http://www.luisgaspardo.com.ar/

http://luisgaspardocaricaturas.blogspot.com/

http://twitter.com/#!/luisgaspardo

http://www.facebook.com/people/Luis-Gaspardo/100000224278327#!/profile.php?
id=100000224278327

Con la ajetreada y en muchas ocasiones estresante vida que muchos llevamos en donde los plazos de entrega a veces son muy justos y la sobre-acumulación de tareas en ocasiones nos sobrepasa, teniendo esa sensación de “¡el tiempo vuela!” o de “¡no me da tiempo a hacerlo todo!” es excelente tener esta guía de claves para fortalecer nuestra organización, dominar nuestro tiempo y por lo tanto tener el control de nuestra vida, para no estresarnos tanto y ver que nuestra productividad aumenta.

Seguro que algunos de estos consejos ya los aplicas, otros no tanto, pero basta verlos con un bonito orden numérico como para que te los tomes más en serio y los pongas en práctica :)

Aquí van los consejos:

1.- Planificar nuestro día de trabajo la noche antes.

2.- Abordar primero las tareas más importantes y urgentes.

3.- Encargarnos antes de los trabajos que supongan más esfuerzo por nuestra parte.

4.- Concentrarse en una única tarea si está requiere mucha atención y esfuerzo por nuestra parte.

5.- Apostar por la multitarea para los trabajos menos exigentes.

6.- Eliminar las tareas innecesarias de nuestro plan de trabajo.

7.- Plasmar todas las tareas que tenemos que ejecutar en una lista.

8.- Crear nuestro propio sistema de productividad. Los sistemas de productividad deben ser personalizados para ser realmente efectivos.

9.- Ser primero efectivo y después eficiente.

10.- No aplazar nunca las tareas para más tarde.

11.- Utilizar herramientas de productividad, tanto de software como de hardware (Evernote, Sticky Notes, Gcal, PDAs, teléfonos 3G, MP3s, etc.).

12.- Hacer ejercicio para mantener el cuerpo y la mente en forma.

13.- Meditar para despejar la mente y calmar el espíritu.

14.- Levantarse pronto, hasta 5 ó 10 minutos antes de la hora a la que debemos ponernos en marcha para empezar nuestro plan de trabajo.

15.- Aplicar la regla del 80/20: el 20% de nuestras actividades va a producir el 80% de nuestros resultados.

16.- Despejar nuestra mente para aumentar nuestra concentración en la tarea.

17.- Ser organizado.

18.- Ser capaz de delegar en otros.

19.- Externalizar servicios si el trabajo así lo requiere.

20.- Evitar distracciones como Facebook, Twitter, la radio y la televisión.

21.- Dominar nuestras principales habilidades.

22.- Establecer los periodos en los que somos más productivos (por la mañana, por la tarde, por la noche, etc.).

23.- Encontrar la manera más divertida y entretenida para acometer la tarea.

24.- Dejar las excusas a un lado y ponernos de una vez a la tarea.

25.- Estar descansado para abordar el plan de trabajo con mayores garantías.

26.- Aprender de los mejores para hacer nuestro trabajo.

27.- Buscar prácticas de productividad en otros lugares y aplicarlas a nuestro plan de trabajo.

28.- Evaluar el resultado de nuestro trabajo para mejorarlo en la medida de lo posible la próxima vez.

29.- Leer material especializado en productividad (los libros Getting Things Done, de David Allen, o La Semana Laboral de 4 Horas, de Timothy Ferriss, los blogs Life Hacker, Life Hack y Getting Things Done, etc.).

30.- Escribir nuestro propio manual de vida.

31.- Agrupar las tareas similares entre sí.

32.- Usar las mejores herramientas para hacer nuestro trabajo más rápido, no más lento (Lotus Notes, Outlook, Photoshop, MS Office, etc.).

33.- Recompensarnos a nosotros mismos cuando conseguimos una meta.

34.- Hacer sólo las cosas que realmente queramos hacer. Si no hay pasión en lo que hacemos, nos sentiremos frustrados y la calidad de nuestro trabajo seguramente será deficiente.

35.- Aprender a decir “no”.

36.- Retirarnos a tiempo si vemos que nuestro plan de trabajo no va a ninguna parte.

37.- Crear un ambiente que refuerce nuestra actitud hacia el trabajo.

38.- Mejorar nuestra actitud. Si ésta mejora, el trabajo será también mejor.

39.- Eliminar los pensamientos negativos.

40.- Evitar perder el menor tiempo posible con los traslados de un lugar a otro (eligiendo rutas más cortas, cogiendo un taxi, trabajando desde casa, etc.).

41.- Marcarnos un horario de trabajo.

42.- Fijar un objetivo.

43.- Poner fechas tope.

44.- Revisar nuestros emails con frecuencia.

45.- Planificar con antelación la tarea a ejecutar.

46.- Ser siempre puntuales en el horario de trabajo establecido.

47.- Visualizar el trabajo finalizado para animarnos a terminarlo cuanto antes.

48.- Practicar para alcanzar la máxima perfección en la ejecución de nuestras tareas.

49.- Depositar toda nuestra energía en la tarea a realizar.

50.- Confiar en otra persona que nos sirva de guía en nuestro trabajo.

51.- Tomarse tiempo libre una vez finalizada la tarea.

Según Wikipedia:
En procesamiento de imágenes, gráficos por ordenador y fotografía, las imágenes de alto rango dinámico (HDR) son un conjunto de técnicas que permiten un mejor rango dinámico de luminancias entre las zonas más claras y las más oscuras de una imagen del que técnicas de imagen digital estándar o métodos fotográficos pueden ofrecer. Este rango dinámico más extenso permite a las imágenes HDR representar con más exactitud el extenso rango de niveles de intensidad encontrados en escenas reales, que van desde luz solar directa hasta la débil luz de las estrellas.

Es un buen efecto para las fotos, quedan realmente bien y aunque hallan muchos ejemplos de HDR aquí les presentamos una serie de trabajos que nos parecieron estupendos y algunos vídeos tutoriales en Photoshop:

A continuación los vídeos tutoriales, están en ingles pero son comprensibles:

How to Create HDR Images in Photoshop from Yanik Chauvin on Vimeo.

Personal HDR Tutorial from Kakashi_Sensei on Vimeo.

HDR Tutorial from Jeff Menter on Vimeo.

Él a publicado sus proyectos en grandes revistas de América y estamos seguros que ama lo que hace.

A continuación dejamos algunos de sus trabajos mas representativos:

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Para ver mas trabajos de Pablo Lobato, pueden ver su web:

http://lobaton.wordpress.com/

1. El diseño es para todos
El estilo no puede nunca anteponerse a los criterios de usabilidad. La forma sigue a la función. Hay que hacer que las cosas sean fáciles para el lector, el viandante, el pasajero, el consumidor.
Por eso los diseñadores gráficos siempre escogemos las letras más adecuadas, y nunca los alfabetos de difícil lectura aunque estén de moda. Jamás los aplicamos en cuerpos pequeños: los empleamos en grande y con los colores adecuados para que todo el mundo pueda leerlos.

Para ver el decálogo completo, hacer clic en el centro del siguiente visualizador y se pondrá a pantalla completa (luego se puede hacer zoom en las páginas)

Pacífico Sur en una serie documental fascinante de la BBC.

Si te gusta la naturaleza, lo desconocido, tienes espíritu aventurero y explorativo, no te puedes perder estos documentales que muestran la extraordinaria fauna, cultura e historia del océano más sorprendente y menos conocido de la Tierra.

Formado por miles de islas tan desconocidas como fascinantes, la gran masa de agua del Pacífico – únicamente el 1% de su extensión es tierra- dibuja una imagen paradisíaca de naturaleza salvaje y exóticas e increíbles odiseas humanas.

Rodada en alta definición a lo largo de tres años, la serie de seis episodios muestra espectaculares imágenes del Pacífico Sur con una complejidad técnica nunca vista hasta ahora, todo ello narrado con la que al menos para mi, es una de las mejores voz en off de documentales.

Te recomendamos que aunque sea veas los primeros 5 minutos del primer documental, y ya decidas por ti mismo si merece o no la pena.

¿Cómo ver los documentales?

Los documentales que están puestos uno tras otro un poco más abajo, están alojados en Megavideo, que probablemente ya conozcas, ya que es una de las mayores webs de internet en cuanto a vídeos de larga duración se refiere.

Es comprensible, (dado el elevado gasto que supone mantener sus servidores), que a los 70 minutos aproximadamente de estar usando Megavídeo, te salta un mensaje diciéndote que tendrás que esperar un rato hasta poder seguir viendo, a menos que abones la membresía.

Nosotros recomendamos abonar dicha membresía, ya que es barata y te valdrá para ver muchas películas y series al mes, en sitios de enlaces por ejemplo www.cinetube.es, pero si quieres un truquito para saltarte esa restricción de Megavideo, lo que puedes hacer es desconectar tu router (por donde llega el internet a tu casa), esperar unos segundos y volver a encenderlo, con lo que tu IP cambiará y para Megavideo serás como un nuevo usuario. Ahora ya solo tienes que fijarte en el minuto por el que ibas, le das a actualizar al navegador, y cuando vuelva a cargar el documental, le das a Play y vas directamente al minuto por el que ibas.

Este truco no funciona si tienes una IP fija, pero en la mayoría de casos si funciona.

Aquí van los documentales, esperamos que te gusten:

Un oceano de islas

Naufragos

Un oceano infinito

Un oceano de volcanes

Islas insólitas

Un paraíso físcal

Sus creadores, Larry Page y Sergey Brin, son dos jóvenes y apasionados emprendedores que mantuvieron la fe en su negocio, y pese a que les cerraron muchas puertas en sus inicios, finalmente lograron ser una de las empresas con mayor y más rápido crecimiento de la historia.

Es por lo tanto, una historia épica digna de mención, y sobre todo, algo muy inspirador y aleccionador es ver como trabajan en Google, su filosofía de empresa, ese hervidero de buenas ideas fruto de un ambiente de trabajo distendido, democrático, amigable y muy original, que está marcando tendencias.

Aquí les dejamos varios documentales para que conozcan en profundidad a esta joven pero ya histórica empresa:

La historia de Google

Google por dentro (muy interesante)

Se le podría denominar como bromista, humorista, mago del balón y muchas más cosas, a veces no tan positivas (sobre todo si lo juzgan algunas victimas de algunas de sus bromas).

Un genio del balón

Lo que hace Remi Gaillard con el balón parece magia. De hecho hemos mirado y remirado los vídeos en busca de algún indicio de que sean montajes audiovisuales, pero es que hay tantos vídeos con tantas magistralidades, bajo tantos tipos de luz (y siempre parece real), que al final te lo acabas creyendo a regañadientes mientras piensas…  ¿pero como cohones lo hace??

Su lado “impostor”

¡Hasta en la copa de Francia!

Se ha hecho especialmente famoso por acudir a eventos deportivos e infiltrarse como deportista en muchos de ellos, haciéndose pasar por  jugador de voley, de tenis, culturista… hasta se infiltró en la final de la Copa de Francia de 2002, tomando parte en las celebraciones y saludando al presidente Jacques Chirac.

Sus parodias…

Y ya bromas en general… muy originales! jaja

¡Deja un comentario!

Todo apunta a que la nueva versión de Internet Explorer (9) (Aún en fase beta en las fechas en las que este artículo se ha publicado) romperá con “el mito” de  ”ser el peor navegador” en cuanto a respetar los estándares web que tanto reclamamos los desarrolladores.

Se podría incluso decir ya de manera oficial que a día de hoy (quién sabe mañana…) Internet Explorer 9 soporta HTML5 mejor que ningún otro navegador.

Quién lo iba a decir, ¿verdad? Nosotros mismos, en este artículo, criticábamos IE (Sobre todo IE6) y animábamos a los usuarios a pasarse a otros excelentes navegadores como Chrome, Firefox o Safari.

Dichos navegadores seguirán siendo excelentes, solo que ahora IE se une por fin al grupo y deja de ser la “oveja descarriada”.

Estás conclusiones las sacamos en base a los análisis y testeos contínuos que está realizando la W3C para ver la integración de HTML5 en los navegadores modernos.

Pueden ver dichos test aquí: http://test.w3.org/html/tests/reporting/report.htm

Desde luego que es un gran avance para Internet Explorer, solo falta que Microsoft encuentre alguna solución para aquellos que se reinstalan de nuevo el Windows XP, que aún son bastantes miles los que siguen con el antiguo sistema operativo, y que por lo tanto, al reinstalar Windows XP, el navegador que les aparece por defecto es el Obsoleto y mohoso Internet Explorer 6.

Ahí está el mayor problema por el cual aún hay un considerable porcentaje de usuarios que usan todavía IE6 (Lanzado al mercado en 2001), que desde luego no soporta HTML 5 y muchos otros elementos no los muestra según los estándares web de la W3C.

Una solución que ya muchas webs aplican, entre ellas nuestro blog y también Youtube y Facebook, es avisar a los usuarios que visitan dichas webs con IE6 para que actualicen de navegador, por lo que animamos a todos los webmaster del mundo a que hagan lo mismo en sus webs.

Para ello, prácticamente a la par, hemos publicado el siguiente artículo: Código para mostrar un aviso en navegadores obsoletos ie6

Afortunadamente, Microsoft parece que ya tiene en cuenta los estándares web y el nuevo Internet Explorer 9 es un ejemplo a seguir en cuanto a respetar los estánderes de la W3C, sobre todo para el nuevo y aclamado HMTL5. Hemos hecho también un artículo al respecto.

Un dato muy revelador:

Microsoft Internet Explorer 6.0 fue lanzado al mercado el 27 de agosto de 2001, poco después de que Windows XP fuera terminado.

O sea que… ¡ya es hora de dejarlo atrás!

Pero como muchos sabrán, hay personas que siguen utilizando el obsoleto y mohoso Internet Explorer 6, precisamente porque es el que viene por defecto en Windows XP, sistema operativo que muchos siguen reinstalándose, resistiéndose a usar versiones más nuevas de dicho sistema operativo.

Proponemos una solución radical que ayude a “exterminar” dicho navegador.

En webs como Youtube ya sale un mensaje de aviso para que actualices de navegador si visitas dicha web con IE6, y en casos como Facebook directamente ni funciona el sistema, te lanza un error.

En nuestro blog decidimos unirnos al grupo de páginas web que en vez de intentar adaptarse a IE6 con parches y apaños en el código, decidieron cambiar de estrategia y directamente mostrar un mensaje de aviso para que esas personas que visitan nuestra web a través de IE6 reciban un mensaje invitándoles a que actualicen de navegador.

En este artículo les enseñaremos como insertar este mismo aviso que tenemos nosotros implementado.

Como mostrar un aviso en navegadores obsoletos como Internet Explorer 6 mediante CSS

La solución es sencilla (para los que tengan conocimientos básicos de HTML y CSS):

Breve resumen de la solución:

Se trata de colocar un <div> con el aviso que permanecerá oculto mediante CSS, y por medio de una simple condicional, cuando la web se vea desde IE6, se cargarán otras CSS que dejarán visible dicho aviso.

Paso 1

Crearemos el div en cualquier parte del <body> de nuestra web. Puede estar en cualquier parte, pero recomendamos ponerlo abajo del todo para que no interfiera mucho en los textos de cara a los buscadores.

Nota importante: Para copiar correctamente los códigos mostrados a continuación, hace clic en el botoncito que hay en la esquina superior derecha de cada caja de código (el icono que está al lado izquierdo del de imprimir)

El div puede ser algo así:

<div id="aviso-navegador">

<p><strong>AVISO Y RECOMENDACIÓN</strong></p>

<p>Su navegador web (Internet Explorer 6) <strong>está obsoleto</strong> lo cual puede provocar que <strong>ciertos elementos se muestren descolocados o no se carguen correctamente</strong>. Además, <strong>tampoco podrá ver bien</strong>, populares webs como <strong>Youtube o Facebook, entre otras muchas.</strong></p>

<p><strong>Le recomendamos <a href="http://www.microsoft.com/spain/windows/internet-explorer/" target="_blank">actualizar su navegador aquí</a> </strong>o  instalarse otros fantásticos nevagadores gratuitos como <a href="http://www.mozilla-europe.org/es/firefox/" target="_blank">Firefox</a> o <a href="http://www.google.com/chrome" target="_blank">Chrome</a>.</p>

<p>Ah, y no olvide guardar nuestra web en favoritos! <strong>Muchas gracias :)</strong></p>

</div>

Paso 2

Ahora pasaremos a ocultar dicho div desde nuestras css principales. Esto es lo más fácil de todo. Solo tenemos que añadir esta línea en nuestro archivo css:

#aviso-navegador {visibility:hidden;}

Paso 3

Ya tenemos entonces listo el aviso y ocultado mediante css. Solo nos interesa que lo vean los que usan Internet Explorer 6.

Para ello vamos a crear por otro lado un archivo css que en este ejemplo vamos a llamar ie6.css

Dicho archivo css tendrá los estilos que le quieras dar al aviso (colores, tamaño, posición, etc.) y lo más importante, le diremos que dicho div se muestre con un visibility:visible

Algo así te puede valer:

#aviso-navegador {
background-color:#FFFFCC;
border:5px solid #EE5113;
color:#333333;
font-size:9pt;
height:auto;
line-height:12pt;
padding:15px;
position:absolute;
right:7px;
top:7px;
width:428px;
z-index:2;
visibility:visible !important;
}

Lógicamente, este es nuestro ejemplo en concreto, que queda alineado y con los tamaños que nosotros hemos considerado para nuestro blog. Quizás tu debas configurar estas sencillas css para que quede bien visualmente en tu web.

Un consejo en este punto: Mientras haces pruebas para ajustar el diseño, tal vez te sea más cómodo que todos estos estilos los pongas en el archivo css principal de tu web, para así poder hacer pruebas por ejemplo con Firefox y Firebug, y una vez el mensajito esté con el diseño a tu gusto, ya pones los estilos editados en el archivo ie6.css y en tus css principales borras esos estilos, dejando ahí solamente lo que hemos indicado en el Paso 2

Paso 4

Por último y no por ello menos importante, es insertar la condicional que hará que se carguen nuestras css alternativas en el caso de que se visualice la web desde Internet Explorer 6.

Es una sencilla condicional que puede parecer un simple comentario en nuestro código, pero que funciona a la perfección.
Se coloca entre las etiquetas <head></head> de nuestra web, y dice así:

<!--[if lt IE 7]>
<link rel="stylesheet" type="text/css" media="all" href="ie6.css" />
<![endif]-->

Explicación de la condicional:

Con este código estamos indicando que si el navegador es alguna versión anterior a IE7, que cargue el archivo de estilos “ie6.css”
Es decir, que no solo vale para IE6 sino que también incluso para aquellos pocos (pero que aún inexplicablemente quedan) que usan IE5. (¡ya les vale!)

Lógicamente, para probar esto, necesitarás tener esa pieza de “relicario” llamada Internet Explorer 6.

Hay algunos programas que te permiten mostrar una web en todas las versiones de IE sin la necesidad de tener dicho navegador instalado.

Cualquier duda o comentario que quieran hacer al respecto será bienvenida.

Además de ser físico, también es músico y  por supuesto un brillante fotógrafo desde el año 2003, donde ha demostrado  en cada acabado un estilo mórbido y lleno de  misterio.

Aquí les dejo algunos de sus trabajos:

Video Tutoriales efecto Draganismo

A continuación un tutorial donde explica cómo llevar a cabo el efecto.

Este tutorial está en italiano, pero como es visual, se entiende bastante bien.

Este tutorial esta en español, pero le faltan algunos detalles para completar el efecto. Pero al menos esta lo básico.

Fuentes:
http://andrzejdragan.com/
http://pl.wikipedia.org/wiki/Andrzej_Dragan

Google quiere invitarte a su próximo evento en Madrid para profesionales del Marketing Online

El próximo 23 de Noviembre en Madrid Google ha organizado un evento sobre su Programa para Agencias WebExpert (https://www.events-google.com/google/147/home )

Las entradas al evento son muy limitadas por lo que debes darte prisa para registrarte ( https://www.events-google.com/google/frontend/reg/thome.csp?pageID=32102&eventID=147 )

El Equipo de Google informará sobre las novedades en herramientas de Marketing Online como Google Adwords, Google Search, etc.

Las entradas se distribuirán por riguroso orden de llegada. El evento será de 9:00 a 14:00 horas en Cinesa Proyecciones, calle Fuencarral 136,Madrid.

De conseguir una de las entradas, recibirás un mail de confirmación por parte de Google en los próximos días.

Un Saludo,

Patricia Salgado a través de TenTuLogo

Este gran artista proveniente de Ann Arbor, Michigan, tuvo su primer encargo a la temprana edad de 16 años y ya a los 17 se ganaba la vida como artista gráfico.

Trabajó para la NASA como ilustrador científico, creando bocetos para proyectos espaciales del futuro, pero en el año 1982 lo dejó y se mudó a Italia para estudiar arte. Y fue así que en Roma se nutrió de los grandes maestros que lo inclinaron hacia el arte figurativo neoclásico y a su particular estilo.

Veamos algunas de sus más resaltantes obras:

Fuentes:

http://en.wikipedia.org/wiki/Kurt_Wenner

http://es.wikipedia.org/wiki/Anamorfosis

http://www.kurtwenner.com

http://maxmborge.wordpress.com/2006/11/13/kurt-wenner/

Pero para nada es así. El hecho de que conciba la línea y las formas sintetizadas es asombroso.

Aunque les enseñen a hacerlo, no parece un acto automático sin sensibilidad, sino que se ve como el elefante dibuja con la máxima atención, despacito, con delicadeza, mimando todos los detalles, repasando las líneas…. una belleza :)

Por cierto, a que es graciosísimo como coge el pincel!? jaja

¡¡¡Quiero este elefanteeee!!!

Capítulo anterior: Historia de la tipografía (4). La aparición de la imprenta. El Renacimiento

Índice: Tipografía occidental: Índice de Capítulos

Barroco

El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente (Siglos XVII y XVIII).

Si el Renacimiento se caracterizaba por una vuelta a lo clásico, a las proporciones armónicas, la pureza y lo bello, en el Barroco todo esto se llevó al extremo, con composiciones más complicadas, obras pictóricas y esculturas en las que se enfatizaba el dramatismo, con estructuras colosales, ostentosas y recargadas. Era una época de riquezas y opulencia.

Respecto a las tipografías, a este periodo se le suele denominar “de transición” (entre el Barroco y el Clasicismo), aunque sin bien es cierto, hubo aportaciones que tanto prepararon el camino al siguiente estilo como enriquecieron los ya existentes. Holanda, Inglaterra y Francia jugaron un papel muy importante en el desarrollo de los tipos de transición.

Clasicismo

Poco a poco vamos entrando en el Clasicismo, que se caracteriza por el refinamiento de la tecnología utilizada en el desarrollo de los tipos.

El clasicismo es una corriente de pensamiento estética e intelectual que tuvo su apogeo en los siglos XVIII y XIX, abarcando desde 1730 a 1820, aproximadamente, inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Grecia Clásica.

Tipográficamente, el contraste entre los trazos gruesos y finos se agudiza y las formas están más claramente estilizadas. Aparecen las Romanas Modernas Didot y Bodoni. Sus finos trazos los hacen menos legibles que las “romanas antiguas” pero con una superior elegancia. Las limpias estructuras y fáciles formas de la Antigüedad dominan la cultura del período y esto se refleja en los tipos de esta época.

Dado que entre el Barroco y el Clasicismo existen momentos de transición que funden unas épocas con otras, a continuación presentaremos ambos periodos vistos desde sus respectivos países:

Holanda: Christoffel van Dyck y Fleischmann

Christoffel van Dyck

Nació cerca de Frankfurt (Alemania) en 1605 y murió en Ámsterdam en 1669. Christoffel van Dyck fue uno de los grandes grabadores de punzones en Amsterdam en el S.XVII.

Su fama viene dada sobre todo por ser el que realizaba los tipos para la editorial Elzevir, la cual era una familia holandesa de editores que duró 132 años y gozó de gran prestigio durante el siglo XVII. Sus libros fueron famosos por su pequeño formato, su precio económico y su objetivo de entretener. Fueron el génesis de lo que hoy conocemos por libro de bolsillo.

Las tipografías holandesas influyeron en gran medida en los diseños posteriores que se desarrollaron en Europa.

Johann Michael Fleischmann

Johann Michael Fleischmann (1701-1768) nació en Nuremberg, Alemania, donde se formó como punzonista, pero su principal trabajo se desarrolló en Holanda, donde se estableció en 1728.

En la fundición de Enschede en Haarlem trabajó creando multitud de tipografías, desde góticas a romanas, itálicas, etc.

Produjo alfabetos romanos de transición que influyeron a los tipógrafos posteriores. Para ello se  basó en los trabajos que Philippe Grandjean realizó en la “Romain du Roi”, tema que veremos en profundidad un poco más abajo en este artículo (en la sección dedicada a Francia).

Fleischman fue muy valorado por sus contemporáneos, habiendo creado más de 100 tipografías en sus más de 40 años como punzonista, ejerciendo sus diseños una influencia decisiva en el último cuarto del siglo XVIII.

El reconocido tipografo francés Pierre Simon Fournier, que también trataremos en este artículo, confesó haber copiado el diseño Fleischman, el cual a su vez influenció posteriormente en lo que serán las nuevas Romanas Modernas de Didot y Bodoni.

Inglaterra: De John Fell a Caslon y Baskerville

En el Siglo XVII en Inglaterra, las tipografías estaban profundamente marcadas por las influencias Holandesas, principalmente por el trabajo recopilatorio que hizo John Fell y las posteriores creaciones más innovadoras de William Caslon y John Baskerville.

John Fell

El decano de la Christ Church, el Vice-Canciller de la Universidad de Oxford y obispo, John Fell (1625-1686) fue el principal precursor de las nuevas corrientes tipográficas que hubo en Inglaterra. Supervisó el trabajo de la recopilación de fuentes que sirvieron para la fundación de las Prensas de Oxford allá por el siglo XVII y que reciben su nombre: Fell Types.

La preocupación de Fell por la composición y el diseño era tal que decidió encargar la tarea a maestros holandeses en vez de dejarlas en manos de los ingleses, que consideraba como padres de todo tipo de aberraciones tipográficas. Y los tipógrafos holandeses tenían a su vez en mente un modelo claro: los caracteres de civilité de Robert Granjon, que pretendían ser una respuesta francesa al predominio italiano en el diseño de romanas.

Durante poco más del primer siglo de las prensas de Oxford, las tipografías Fell sirvieron para la composición de todos los títulos compuestos en ellas, para quedar posteriormente relegadas a ediciones de lujo y tiradas muy limitadas.

Para más información sobre las Fell Types, así como enlaces para decargarse muchas de dichas tipografías, clic aquí.

Caslon

William Caslon nació en Cradley (Inglaterra) en 1.692. Con un gran sentido de marketing, puso en funcionamiento su propia fundición de tipos al lado de la fundición de la Universidad de Oxford.

Hacía el año 1.720 creó un estilo de letra genuinamente inglés, que podría definirse como romano antiguo. Este primer tipo creado por Caslon era muy peculiar, pues sus letras vistas aisladamente no parecen que puedan armonizar cuando se componga el texto.

En 1.734 elabora su primer muestrario que contiene 38 fuentes que incluyen titulares desde 16 a 60 puntos, romanas y cursivas, negras, góticas, hebreas, griegas y florones (7 diseños), siendo grabadas por Caslon 35 de las 38. William Caslon falleció en el año 1.766.

Sus tipografías estaban influenciadas por los tipos fundidos en Holanda que como ya se mencionó antes, por la época de Caslon erán muy comunes en Inglaterra.

Caslon es una tipografía romana o con serifas, que se caracteriza por tener terminaciones en ángulos rectos y una modulación moderada. De fácil lectura y diseño simple.

Las tipografías de Caslon fueron muy populares y usadas para muchos trabajos impresos importantes, dentro de los que cabe destacar la primera versión de la Declaración de Independencia de Estados Unidos

Su trabajo influenció al tipógrafo John Baskerville el cual junto a Caslon es considerado el progenitor de las tipografías de transición que marcaron la pauta para el desarrollo de las tipografías romanas modernas, Didot y Bodoni.

Estos tipos cayeron en desuso a principios del siglo XIX, pero se revivió su uso en la década de 1840, siendo muy utilizadas de nuevo. Con la aparición de la informática las tipografías de Caslon fueron rescatadas y revividas digitalmente.

Se trata de un tipo que trabaja bien en todas las situaciones y que aporta la gran personalidad de unas líneas clásicas definidas magistralmente.

- Desde aquí podrás descargarte en formato PDF la reproducción de un muestrario póstumo de 1785 de Caslon. Una joya de libro, digitalizado por Microsoft.

- Si quieres más información sobre la fuente tipográfica Caslon, puedes ir aquí.

- Si quieres comprar la tipografía Adobe Caslon, lo puedes hacer desde aquí.

Baskerville

John Baskerville (Wolverley, Worcestershire, Inglaterra, 28 de enero de 1706 – 8 de enero de 1775) fue un tipógrafo inglés dotado de una gran delicadeza, elegancia y claridad en el diseño de tipos y composición de las páginas.

Como impresor fue miembro de la Royal Society of Arts. Dirigió a su pupilo John Handy en el diseño de numerosas fuentes tipográficas.

La excelente calidad de sus impresiones influyó a grandes tipógrafos como Didot o Bodoni.

El tipo Baskerville posee unas proporciones generosas. La mayor diferencia entre esta y las tipografías antecesoras radica en una mayor diferencia entre los palos finos y gruesos. Se trata de una tipografía legible y clara, muy apropiada para libros de texto.

Se le suele denominar de transición, evolución de los tipos antiguos a los modernos, procurando aunar la legibilidad de los primeros y la limpieza de los segundos.

Sin embargo, después de su muerte, sus tipos permanecieron desconocidos durante más de 150 años, hasta que Bruce Rogers, un diseñador norteamericano, los rescató, reeditándolos para Monotype en 1924 y Linotype en 1931.

El caso de Baskerville, fue el de un hombre que, no contento con desarrollar un tipo que le inmortalizara, se preocupó de mejorar herramientas, tintas y soportes.

Para adquirir la TS Old Baskerville clic aquí.

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Francia: Grandjean, Fournier y Didot

Philippe Grandjean (Romain du Roi):

Luis XIV, probablemente el rey más famoso que ha tenido Francia, estaba obsesionado en conseguir una tipografía perfecta basada en principios científicos, lógicamente, para el uso exclusivo de su realeza.

Para ello creó una comisión en 1692, con matemáticos, científicos, incluso filosofos, dirigidos por el tipografo Philippe Grandjean.

En esta Imprimerie Royale crearon la llamada Romain du Roi, en inglés Royal Romain.

Pero Grandjean no la terminó de forma definitiva, sino que la continuó su sucesor, Jean Alexandre y la completó Louis Luce en 1745.

Era una tipografía tan exclusiva de la realeza francesa que incluso el Rey de Suiza intentó conseguirla pero Luis XIV se negó.

Esta es la primera tipografía que se desvincula abiertamente de la caligrafía corriente, y se la considera antecedente de las tipografías modernas, siendo la base del diseño de muchas otras famosas tipografías como Fournier o Bodoni.

Simon Fournier

Bajo la esencia de la tipografía Romain du Roi, Simon Fournier (1721–1768) imprime su tipografía, fuertemente personal y más flexible.

Los tipos de Fournier influyeron profundamente en las futuras “romanas modernas” de Bodoni y Didot, siendo consideradas como una de las principales tipografías de transición.

Respecto a sus predecesoras, posee un mayor contraste entre los grosores de los palos, con un énfasis más vertical que los antiguos tipos. Gran tipografía de párrafo que proporciona una buena economía de texto y un color uniforme en la página.

Otra de las grandes aportaciones de Fournier, basado en sus estudios sobre la Imprimerie Royale, fue establecer las bases para una unidad de medida estándar a la que llamó “punto” y que fue divulgada a través de su Manual Tipográfico. Quien terminó de difundir y establecer el Punto como medida fue Didot.

Puedes adquirir la tipografía Adobe Fournier haciendo clic aquí.

La influencia de la familia Didot: Las romanas modernas.

La más célebre familia de impresores franceses que comenzó a trabajar en este oficio en el siglo XVIII y continúa hasta nuestros días.

Todo comenzó con François Didot, padre de once hijos. De todos ellos, el que le dió renombre internacional a la familia fue François-Ambroise Didot (París 7 de enero de 1730 – 10 de julio de 1804) con logros como:

• Revisa el sistema de puntos de Fournier y define un nuevo sistema de medida: el punto Didot, que es igual a 0,376 mm.
• Incorpora a su taller una máquina de imprimir de un sólo golpe que le permite más precisión y rapidez.
• Introduce como soporte el papel vitela en Francia.

En estrecha colaboración con su hijo Firmin Didot, crea un nuevo tipo de letra, en la que se constata el abandono de la tendencia barroca en favor del nuevo estilo neoclásico.

La tipografía Didot, junto a la Bodoni en Italia (que podrás ver más abajo) definieron las características del nuevo estilo romano moderno con su extrema tensión vertical, gran contraste entre palos finos y gruesos y sus rectas y finísimas serifas proporcionándoles una apariencia muy clara y elegante.

Su éxito fue tal que se convirtió en el tipo de Francia y en el estándar nacional para las publicaciones francesas.

Hay autores que defienden que Bodoni influenció a Didot, aunque son más los que indican que Bodoni estudió profundamente los trabajos de John Baskerville, Pierre Simon Furnier y el propio Firmin Didot para crear su propia romana moderna.

En cualquier caso son tipografías que marcarán un antes y un después en la historia tipográfica.

Firmin Didot fue también el creador de la técnica de estereotipo, que en impresión se refiere a una plancha metálica, ampliamente utilizada en la impresión comercial actual y que en su momento revolucionó el mercado editorial permitiendo la producción de ediciones muy económicas.

Para adquirir la tipografía Didot LP clic aquí.

Para terminar este apartado de Didot, un sencillo pero interesante vídeo que resume su vida en relación con la historia de su época:

Italia: Giambattista Bodoni

Giambattista Bodoni (Saluzzo, Italia, 1740 – Parma, 1813) fue un impresor y tipógrafo italiano, con gran talento, autor de varios tipos de letras célebres que todavía se utilizan en la actualidad.

Bodoni era un tipógrafo innovador; en sus obras se aprecia el cuidado de sus formas y soportes, así como la armonía expresiva.

Las ediciones de Bodoni tuvieron un enorme éxito debido a la excelente calidad de las mismas, utilizando para ello ricas ilustraciones y elegantes tipografías. Miembros de la aristocracia europea, coleccionistas, eruditos disfrutaban de sus libros para los que el personalmente mezclaba las tintas, usaba papel de la mejor calidad, diseñaba elegantes páginas y los imprimía y encuadernaba primorosamente.

En 1788 publicó el primer volumen del  Manuale tipográfico, el más importante tratado sobre tipografía de la época. Este manual contiene 600 láminas, 100 alfabetos romanos, 50 itálicos y 28 griegos; además, en el se encuentran los primeros tipos modernos de Italia: refinados y rigurosos.

Bodoni incluyó en el manual cuatro principios que constituyen la belleza de una tipografía:

• Uniformidad o regularidad de los diseños, que consiste en comprender que muchos de los caracteres en un alfabeto tienen elementos en común que deben permanecer “precisa y exactamente los mismos en cada uno de ellos”
• Elegancia y nitidez, es decir, el buen corte y el acabado meticuloso de los punzones que producen matrices limpias de las cuales pueden obtenerse tipos nítidos y delicados.
• Buen gusto: el tipógrafo debe mantenerse fiel a “una simplicidad nítida” y jamás olvidar su deuda con las mejores letras manuscritas del pasado.
• El encanto, que está presente en aquellas letras que dan “la impresión de haber sido escritas no a desgano ni con rapidez, sino con sumo cuidado, como un acto de amor”.

Bodoni presentó también en su Manual Tipográfico, uno de los primeros tipos modernos, más desarrollados, refinados y rigurosos que los creados por Baskerville, pero no tan estrictos y formales como las tipografías diseñadas por el gran rival francés de Bodoni: Firmin Didot.

Supone la culminación de 300 años de evolución de la tipografía romana. Su aparición desplazó a las tipografías antiguas y transicionales gracias al enorme contraste existente entre las líneas finas y gruesas, sus remates delgados y rectos y su apariencia clara y racional. Entre las versiones existentes hoy en día, la más lograda quizás sea la Bauer Bodoni, diseñada en 1926 por Heinrich Jost para la Fundición Bauer. Sus formas son más parecidas a las originales y tienen una elegancia y delicadeza que no tienen las otras versiones.

En 1818, su viuda Margherita, varios años después de la muerte de Bodoni (1813) publicó el resto de volúmenes del Manuale tipográfico, el cual, a pesar de estar inconcluso, es una de las joyas de la tipografía moderna, un libro maravillosamente impreso y de enorme rareza, que quedó como el testamento artístico del tipógrafo más importante de su época.

Si quieres adquirir la tipografía Bodoni (la versión más parecida desarrollada por Bauer en 1926), lo puedes hacer aquí.

Y por último, un vídeo de su vida, en italiano, que aunque no esté en español, en conjunto con las imágenes se entredeja entender bien:

Alemania: Justus Erich Walbaum

Justus Erich Walbaum (25  Enero 1768 en Steinlah, Haverlah; 21 Junio 1837 en Weimar) creó la versión alemana de las grandes tipografías modernas europeas como la Bodoni o la Didot.

Es una tipografía cortada originariamente por Justus Erich Walbaum en Weimar, allá por el año 1800, y comparte muchas características con la Bodoni o Didot como la tensión vertical, el gran contraste de los grosores de los palos, o las finas y rectas serifas.También posee caracteres muy diferentes como la ausencia de serif en la parte baja de la “b” o la curiosa cola asimétrica de la “Q”. Una de las más únicas tipografías modernas, cuenta con una gran belleza y flexibilidad.

Si quieres adquirir la tipografía Walbaum haz clic aquí.

Referencias y más información en:

Unos tipos duros

Letrag.com

Wikipedia.org

http://www.citrinitas.com/history_of_viscom/masters.html

http://www.monografias.com/trabajos24/caracteres-tipograficos/caracteres-tipograficos.shtml

myfonts.com

http://www.periciascaligraficas.com/v2.0/resultados.php?contenidosID=123

http://jorgeledo.net/2010/01/tipografias-clasicas-para-el-siglo-xxi-the-fell-type-2/

Ahora que vivímos una época en la que las ideas, la creatividad y la innovación son más necesarios que nunca para poder encontrar nuevos caminos, estas 4 conferencias TED hablan sobre estos temas y sobre los nuevos caminos que probablemente nos esperan.

Esperamos les sirva de inspiración!

Steven Johnson: ¿de dónde provienen las buenas ideas?

Chris Anderson y la forma en que los videos de la web potencian la innovación global.

Charles Leadbeater habla sobre innovación

Clay Shirky: Cómo el excedente cognitivo cambiará el mundo

Aquí dejamos algunas muestras de su obra:

Dibujos a boli:

Otras pinturas de Juan Francisco Casas:

Biografía

Juan Francisco Casas Ruiz nació en La Carolina, Jaén, el 21 de septiembre de 1976) y se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Granada en 1999, como primero de su promoción y obteniendo el Premio Nacional de Fin de Carrera del Ministerio de Educación y Ciencia al mejor expediente universitario de España, galardón que le fue entregado por la Ministra de Cultura Pilar del Castillo.

En el año 2000 recibió la beca de Formación de Personal Docente e Investigador. Desde ese año hasta 2004 ejerció labor docente de dibujo y grabado en el Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada mientras realizaba el doctorado en dicha institución.

En 2002 fue seleccionado para la Muestra de Arte INJUVE, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y que posteriormente recorrió todas las capitales de iberoamérica. Desde ese año es representado por la Galería Fernando Pradilla (Madrid) y la Galería El Museo (Bogotá, Colombia), aunque ha realizado colaboraciones puntuales con la Galería Luis Adelantado (Valencia-Miami), la Galería Metta (Madrid) o la Galería Ferrán Cano (Barcelona-Palma de Mallorca), entre otras.

En 2004 resultó ganador del prestigioso Premio de Pintura ABC, siendo presidente del jurado el artista Luis Gordillo, galardón que le fue entregado por la Ministra de Cultura Pilar del Castillo.

En 2005 fue el único representante español en la 2ª Bienal de Praga, (Prague Biennale 2, Expanded Painting / Acción Directa), organizada en dicha ciudad de la República Checa por la importante revista internacional de arte contemporáneo Flash Art Magazine y que contó entre otros con artistas internacionales de la relevancia de Damien Hirst, Maurizio Cattelan o Neo Rauch.

En 2006, después de residir unos meses en Berlín,  participó en la exposición Catarsis – Rituales de Purificación en el Museo ARTIUM, Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria, (junto con destacados artistas como Antoni Tapies, Antonio Saura, Miquel Barceló, Jorge Oteiza o Antoni Muntadas) y en The Sock Strategy. La Estrategia del Calcetín dentro de la  Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla.

Después de haber pasado unos meses en Brighton (Reino Unido), en 2007 recibió prestigiosa Beca de la Real Academia de España en Roma donde residió un año. En esa ciudad colaboró con el artista Joseph Kosuth, así como en el montaje de su exposición de La Casa Encendida en Madrid.

En 2008 expuso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y Real Academia de España en Roma y en 2009 residiendo ya en Madrid, en el Instituto Cervantes de Nueva York, dentro de la exposición itinerante 10 Años de Arte en los Premios ABC que recorrerá diferentes sedes de esta institución como Moscú, Tokio o Paris.

Ha realizado numerosas exposiciones individuales destacando Saturdaynigthbathroom y Bare(ly)there (Galería Fernando Pradilla, Madrid, 2005 y 2008 respectivamente), MyLovingNation (Galería Ferrán Cano, Palma de Mallorca, 2007), Sacrebleu! (Galería Sandunga, Granada, 2006), Mis(s)behave (Sala Rivadavia, Diputación provincial de Cádiz, 2006) y participado en las ferias de arte más importante del mundo, así como en todas las ediciones de ARCO desde el año 2002. Su obra se ha expuesto en todo el mundo desde Nueva York, Miami o Chicago a Seúl, Londres, México o Basilea, entre muchas otras y ha recibido numerosos premios y becas nacionales e internacionales.

Su obra se encuentra representada en importantes colecciones como el Museo ARTIUM o la Colección ABC-Vocento, Madrid, así como en colecciones privadas de todo el mundo.

Como labor paralela ha publicado numerosos libros entre los que destacan los poemarios Thesummerhaikus y A y otros poemas de relleno en Ediciones Alea Blanca.

http://www.juanfranciscocasas.com/

En este artículo vamos a hablar especificamente de las mascotas publicitarias, con un gracioso museo que esperamos te divierta y traiga buenos recuerdos. Dejamos para otro post las mascotas olímpicas y de los mundiales, ya que se merecen un apartado propio.

Las mascotas se suelen personalizar a través de animales caricaturizados o simplificados, aunque también se utilizan personas u objetos animados.

La palabra es de origen reciente y proviene del provenzal mascoto, que quiere decir sortilegio. Se popularizó cuando el compositor francés Edmond Audran compuso la opereta “La Mascotte”, estrenada en París el 30 de diciembre de 1880, que estuvo más de un año en cartel ininterrumpidamente debido al gran éxito que obtuvo.

Pero no fue hasta 1898 cuando por primera vez en la historia, Michelin lanza su primera mascota, el Bibendum, un personaje con mucha historia, muchas “operaciones estéticas” para su rejuvenecimiento, y un gran legado que ha dejado este “abuelo” de las mascotas a lo largo de las posteriores generaciones.

El Bibendum de Michelin:

Como hemos mencionado anteriormente, fue Michelin con su Bibendum la primera aparición registrada históricamente de una mascota como acompañamiento de una marca. Por lo tanto, se merece un apartado especial en nuestro artículo, en donde detallaremos su historia y principales anécdotas.

En el principio fue el verbo…

"Si tuviera brazos parecería un hombre"

Primera etapa: En febrero de 1893, André Michelin defiende las ventajas del neumático en una conferencia en el Colegio de Ingenieros Civiles de París y lanza una frase que se convertiría en el lema de Michelin: “El neumático se traga los obstáculos”. Una frase histórica que dará sus frutos.

Segunda etapa: Un año después, en la Exposición Universal y Colonial de Lyón, los dos hermanos Michelin observan en su pabellón una pila de neumáticos de diferentes tamaños que tiene una sugerente silueta. Dicen que entonces Édouard le comentó a André: “Si tuviera brazos parecería un hombre”.

Los primeros esbozos: En 1897 el ilustrador Marius Rossillon (que firma con el pseudónimo O’Galop) presenta a los hermanos Michelin varios proyectos publicitarios. Entre ellos se encuentra un esbozo realizado para una cervecería que muestra a un bávaro levantando su copa bajo el lema “Nunc est bibendum” (Y ahora bebamos) retomando un verso de Horacio.

Partida de nacimiento

Primer cartel con Bibendum

En 1898 O’Galop diseña, siguiendo las indicaciones de André Michelin, un cartel en el que se ve en un banquete a un imponente personaje hecho de neumáticos que levanta su copa llena de clavos y de fragmentos de vidrio y brinda: “Nunc est bibendum” (equivalente a “¡Salud! El neumático se traga los obstáculos”).

Al igual que los escasos propietarios de automóviles de la época, “El muñeco Michelin”, enarbola con orgullo los signos manifiestos de cierta prosperidad: ¡anillo, puro y corpulencia! Las gafas, en cambio, las toma prestadas de André Michelin.

Pero el auténtico “bautizo” de Bibendum tiene lugar algunos meses más tarde durante la carrera París-Ámsterdam-París. El piloto Théry, al reconocer a André Michelin exclama: “¡Mirad, Bibendum!”.

El apodo pasará rápidamente de padres a hijos y desde ese momento el nombre “Bibendum” y el muñeco Michelin permanecerán unidos para siempre.

Las posteriores transformaciones

Bibendum en la I Guerra Mundial

Hasta la Primera Guerra Mundial hay, por así decirlo, una perfecta identidad entre Bibendum y los neumáticos Michelin.

Muchos carteles dan testimonio de ello al mostrar a Bibendum quitándose uno de sus neumáticos para socorrer a un desafortunado automovilista.

Dependiendo del dibujante, aparece unas veces próspero e imponente, otras jovial y rollizo, e incluso curiosamente esbelto y atlético cuando pondera el “musculador” Michelin.

Carteles del Bibendum de Michelin

Sin embargo, ante la creciente importancia de la marca, la silueta de Bibendum tiende a homogeneizarse y se estabiliza en apenas una treintena de neumáticos.

En 1923 Michelin lanza una serie de neumáticos revolucionarios, los Confort con banda de rodadura ancha y baja presión.

Bibendum sufre una nueva mutación para adaptarse con flexibilidad a las nuevas circunstancias. Pierde algunos neumáticos como otros pierden algunos kilos; su silueta gana en claridad, su carácter en cordialidad.
En lo sucesivo Bibendum “mide” 26 neumáticos.

Bibendum más actual

Pronto la personalidad del atractivo muñeco se impone sobre el tosco conjunto de neumáticos original. El aspecto de Bibendum se consolida poco a poco a pesar de una tentativa infructuosa de dotarle de orejas. La figura de Bibendum se humaniza. Bibendum, personificación de un producto desde su origen, se convierte en el emblema de la empresa Michelin, de sus valores y de sus compromisos.

Su última transformación, que se dio a conocer en la conmemoración del centenario de 1998, refleja esta vocación de portavoz de Michelin: una silueta apacible y acogedora, de rasgos serenos e idénticos en todo el mundo.

Posteriormente ha ido teniendo otras adaptaciones ya más relacionadas con las reproducciones digitales en 3 dimensiones, en donde su dinamismo y perfeccionamiento visual ya se depura a los tiempos actuales.

El museo de las mascotas publicitarias

Por supuesto que el Bibendum de Michelin no ha sido la única mascota publicitaria. A lo largo de las posteriores décadas, son múltiples las marcas que han utilizado las mascotas como un buen recurso para hacer más familiares y cercanos sus productos, aumentar su memorización y generar más confianza en el público.

Además, la mayoría de las mascotas son excepcionales para que los niños y adolescentes empaticen mucho más con los productos desde edades muy tempranas, creando vinculos emocionales que refuerzan la fidelidad al producto a lo largo de los años.

Aunque hay mascotas que merecen un artículo propio con toda su historia, de momento hemos creado este “museo” de las mascotas publicitarias!!

Descripción de la imagen:

Comenzamos por el propio Bibendum por ser el “abuelo” de todos los demás. Le sigue Ronald McDonald, Mickey Mouse de Walt Disney, Doki de Discovery Kids, Gato Buba de Bubaloo, Pajarito de Twitter, Bolis Bic, m&m, Conejito Duracell, que curiosamente poco después Energizer hizo una parodia sacando su propio conejo algo más transgresor. De todos modos la mascota más habitual de Energizer es la pila con brazos.

Le sigue el Osito de Bimbo y Doughboy de Pillsbury, el cual se parece al de Bimbo, ¿pero cual fue antes? Porque se parecen bastante. Pude encontrar que el Doughboy es de 1965 y fue creado por Leo Burnett, pero no así el origen el osito de Bimbo. A ver si alguno de ustedes nos aporta ese dato y nos saca de dudas!

Continuamos con Ernie de Keebler, también creado por Leo Burnett, luego el Conejo de Nesquik, Cheetos, Tux de Linux, Mr Muscle, Mr. Proper, 2 marcas también con ciertos parecidos; les sigue el tigre Tony de Kellogg’s Frosted Flakes, Mr. Peanut de Planters, que al parecer lo diseñó un joven de 14 años en 1916.

Seguimos con Pringles y Mr. Monopoly, los cuales también tienen un gracioso parecido. Después el oso panda de World Wildlife Fund, el Toro de Osborne, que con el tiempo se ha llegado a convertir casi más en un símbolo de España que de la propia marca de Osborne.

Sigue Fido Dido de 7Up, que se hizo muy popular en los 90 pero luego fue quedando en el olvido. Continua Kentucky Fried Chicken, AIM, el icono mascota del “messenger” de AOL, Mario Bros de Nintendo y su rival Sonic de Sega.

La gallina de Corn Flakes de Kellog’s, Capitán Crunch, Luxo de Pixar, que dicho sea de paso, es de las pocas mascotas que utilizan un objeto como tal, ya que lo habitual es que sean o personajes, animales, etc.

Continua el niño de Haribo, luego Jaguar y Puma, felinos enfrentados en esta presentación ¿quién crees qué ganaría? Sin duda Jaguar tiene un grafismo más fuerte y agresivo que Puma. Por suerte representan marcas completamente distintas.

El cocodrilo de Lacoste al acecho del corderito de Norit, el mítico león de la Metro Goldwyn Mayer, y por último el Gigante Verde, Big Boy y la jirafa Geoffrey de Toys ‘R’ Us.

Seguro que alguna mascota importante se nos ha pasado, por lo que si echas en falta a alguien en nuestra gran “pandilla”, agradeceremos nos dejes un comentario!

Cierra la puerta al salir no se vayan a escapar!!!

Fuentes:

• Michelin.es
• Taringa.net
• Wikipedia
• La flecha

Igual de importante es tener una buena marca como luego registrarla

En el caso de que su empresa esté en España, TenTuLogo le recomienda MarkCenter, ya que de primera mano hemos trabajado con esta empresa y sabemos de su formalidad, seriedad, con precios coherentes y justos, ya que en internet encontrará otras webs de registro de marcas con precios realmente bajos, pero que desde luego nosotros no garantizamos ni su profesionalidad ni su confidencialidad.

¿por qué recomendamos MarkCenter?

No es que sea la única opción ni mucho menos, pero si es con la empresa que tenemos experiencias anteriores exitosas, tenemos ya un trato amigable, y por eso para nosotros es un placer recomendarlos. Ni tan siquiera tienen que decir que van de nuestra parte, ya que no es una cuestión de ganar comisiones, sino simplemente una recomendación entre amigos.

Registro de marcas: www.markcenter.es

Serían muchos los vídeos a poner en este artículo, por eso lo vamos a dividir en varios capítulos. En este primer capítulo nos basaremos sobre todo en la habilidad con las manos para componer cosas extraordinarias, para hacer construcciones impresionantes, o realizar acciones que muy pocos pueden realizar.

No se si obras de arte, pero desde luego que al menos entretenidos si que son los siguientes vídeos:

Y para terminar… no es exactamente habilidad con las manos, pero hay que estar muy loco…

Aquí va una selección de trabajos de diseño de packaging japonés:

http://inspirationlab.wordpress.com

http://papercutpanic.com

http://images.businessweek.com

http://tokyoculture.blogspot.com/

http://yamaninjo.wordpress.com

http://weekenderjapan.com

http://pixelclouds.com

http://kawaiilens.blogspot.com

http://napajapan-candy.blogspot.com

Esperamos tus comentarios!!

La publicidad agrega valor a un producto cambiando nuestra percepción, más que cambiando el producto en sí. Rory Sutherland hace la audaz afirmación de que un cambio en el valor percibido puede ser tan satisfactorio como lo que consideramos valor “real”; y su conclusión tiene consecuencias interesantes sobre cómo vemos la vida.

De hecho, en internet, normalmente para referirse a una marca, se utiliza el término “logo” o “logotipo”, cuando en realidad, como veremos a continuación, está mal expresado.

Nosotros mismos, en TenTuLogo, hablamos de “Diseño de logos”, no porque no sepamos su correcto uso, sino porque es la forma en la que comúnmente, los usuarios están acostumbrados a buscar en internet, y de otro modo, sería complicado que los navegantes llegaran a nuestra web a través de los buscadores y reconocieran rápidamente nuestros servicios.

Técnicamente, tal vez nuestro nombre en vez de TenTuLogo debería ser TenTuImagotipo o TenTuIsologo, dependiendo… que logicamente, sonaría un tanto raro para la mayoría de las personas.

Esperamos sepan disculpar nuestro mal (intencionado) uso :)

Para “liberarnos de nuestro pecado”, a continuación vamos a intentar aclarar todos estos términos.

Si uno busca en internet estos términos, encontrará que hay disparidad de definiciones y que es difícil encontrar su verdadero significado.

Nosotros no decimos que tengamos la última palabra, sino que simplemente, vamos a intentar aclarar y definir cada uno de estos términos con nuestra mejor intención, habiendo indagado, contrastado y afianzando cada una de las siguientes definiciones:

Marca

Proviene del latín marca, consiste en ese rasgo, huella o grafismo, que se asume como signo singular que distingue a una cosa de otra.

Según la RAE:

- Marca: Señal hecha en una persona, animal o cosa, para distinguirla de otra, o denotar calidad o pertenencia.

- Marca de fábrica: Distintivo o señal que el fabricante pone a los productos de su industria, y cuyo uso le pertenece exclusivamente.

- Marca registrada: Marca de fábrica o de comercio que, inscrita en el registro competente, goza de protección legal.

La marca se suele definir también como el conjunto de elementos gráficos (logotipo, isotipo, etc.) que definen a una empresa, institución o producto.

Es importante entender la siguiente diferencia: la marca puede cambiar de logo o icono, pero el logo o el icono no pueden cambiar de marca. Por lo tanto la marca está por encima de la representación gráfica, (dibujo, color, tipografía), aunque las buenas marcas son las que han permanecido casi intactas desde su nacimiento.

Imagen de marca / imagen corporativa:

La imagen de marca o imagen corporativa se refiere a cómo se percibe una compañía o producto. La creación de una imagen corporativa es un ejercicio en la dirección de la percepción. Su interpretación es algo subjetivo de cada persona.

En otras palabras, se refiere a las asociaciones mentales que las personas puedan tener a cerca de una marca. Por lo tanto, en la imagen de marca entran en juego muchos factores, no solo la marca propiamente dicha, sino todo el diseño e identidad corporativa que acompañan a la marca, las acciones publicitarias y de marketing, la calidad del producto, servicio o valor que represente, sus posibles costes y una infinidad de factores que interconectados y de forma prácticamente inconsciente, conforman una imagen mental en cada uno de nosotros sobre cada marca que conocemos.

Identidad Corporativa / Identidad Visual

La identidad corporativa o identidad visual (IVC) es la manifestación física de la marca.

En general incluye la marca, normas gráficas y una grupo de líneas maestras que se recogen en el Manual Corporativo.

En el Manual Corporativo se establece de forma detallada cómo debe aplicarse la identidad corporativa;

• Identificación de colores corporativos. Normalmente colores Pantone.
• Tipografías corporativas.
• Organización visual de páginas y otros métodos para mantener la continuidad visual.
• Reconocimiento de marca a través de todas las manifestaciones físicas de la misma.

Las aplicaciones corporativas más habituales son:

Papelería Corporativa:

• Tarjetas de presentación ( visita), hojas membretadas para diferentes usos, sobres membretados, carpetas corporativas, facturas, presupuestos, sellos fiscales, etc.

Elementos multimedia / informáticos

• Página web, formato de email, interactivos, software corporativo, etc.

Vestimenta e Indumentaria

• Camisas, Uniformes, etc.

Vehículos corporativos

• Coches, camionetas, motos, etc.

Logotipo / Logo

El significado de logotipo o de logo (abreviatura de logotipo) suele estar distorsionado y se suele confundir con el significado de marca, de isologo o imagotipo (que explicaremos más adelante).

De hecho, es la terminología de diseño que más comúnmente es aceptada de forma errónea, ya que en internet, lo que las personas más habitualmente suele buscar (y encontrar) cuando quieren que le diseñen su marca o identidad visual, es “diseño de logos” o “diseño de logotipos”.

Tanto es así, que tal y como explicamos al principio de este artículo, en TenTuLogo y otras empresas de diseño online nos vemos obligados a mostrarnos y posicionarnos en los buscadores con “diseño de logos” o “diseño de logotipos” ya que sino, de otro modo, sería mucho más complicado conectar con nuestros potenciales clientes.

Después de esta aclaración, vayamos con el significado real de logotipo:

Proviene del griego logos que significa “palabra“, y de typos: “golpe, marca del golpe, señal, imagen o escritura en forma de impronta”. Tipo también puede significar: “Piezas utilizadas en las imprentas que representan el juego de caracteres de un idioma.”

Por definición según la RAE, “logotipo es el distintivo formado por letras, abreviaturas, etc., peculiar de una empresa, conmemoración, marca o producto.”

Es decir, en una marca es la representación verbal de una o varias palabras mediante signos tipográficos. No se refiere ni al icono ni al símbolo, solo a las palabras, a las tipografías.

Isotipo / Símbolo

Se refiere a la parte, generalmente icónica o más reconocible, de la disposición espacial en diseño de una marca ya sea corporativa, institucional o personal.

Etimológicamente, Iso proviene del griego y significa igual. Un icono o una imagen de algo que se extrae de la realidad, trata de representar visualmente esa realidad, trata de buscar un “igual” de forma sintetizada o gráfica. Por lo tanto, Iso viene a significar icono y/o imagen.

En el mundo empresarial y corporativo, isotipo o símbolo viene a referirse a la imagen o sintetización que visualmente se intenta hacer de los valores, personalidad, carácter y principios de dicha empresa. Es por esto, que hacer un buen Isotipo es todo un arte y requiere de un profundo análisis de la empresa, creatividad y capacidad de síntesis, para que con los mínimos elementos, lograr el “Iso” de la empresa, es decir, el “igual” de la empresa de forma visual.

El icono de Nike, sería un perfecto ejemplo de isotipo, en donde con un solo trazo se logra transmitir muchos conceptos asociables a la marca, como movimiento, dinamismo, fuerza…

Sinónimos de isotipo: Icono, Símbolo.

Se podría hacer la siguiente clasificación de Isotipos o Símbolos:

• Monograma
• Anagrama
• Sigla
• Inicial
• Firma
• Pictograma

Monograma

Etimológicamente proviene del griego monos , prefijo cuyo significado es “único” o “uno sólo” y del griego gramma, “letra” o “escrito”.

Según la RAE: “Cifra que como abreviatura se emplea en sellos y marcas.”

En este caso, la palabra “cifra” lógicamente no se refiere a un número, sino tal y como también define la RAE: “Enlace de dos o más letras, generalmente las iniciales de nombres y apellidos, que como abreviatura se emplea en sellos, marcas, etc.”

Es decir, corresponde a una variante del logotipo en la que son utilizadas una inicial o varias iniciales entrelazando los rasgos de unas letras con otras para formar un signo fundido en una sola unidad.

Anagrama

Tiene dos significados que pueden llevar a confusión:

- Un anagrama (del griego ana: de nuevo, y grámma: letra) es una palabra o frase que resulta de la transposición de letras de otra palabra o frase. Por ejemplo: ROMA - AMOR - OMAR - MORA - RAMO

- También se refiere a un símbolo o emblema, especialmente el constituido por letras, por lo que guarda cierta similitud con el monograma.

Aunque técnicamente, el anagrama como parte del diseño de una marca, emplea letras o sílabas del nombre de la entidad que representa en forma “logotipada”. Es decir, en base a esas letras se crea una nueva palabra que se lee como tal. No confundir con las siglas, que se explican en el siguiente término.

El anagrama utiliza comúnmente contracciones que facilitan la denominación cuando ésta es demasiado extensa o difícil de aplicar gráficamente, por ejemplo IMPEX podría ser un anagrama de Importación y Exportación.

Sigla

Proviene del latín sigla que significa cifra o abreviatura.

Según la RAE: Palabra formada por el conjunto de letras iniciales de una expresión compleja; p. ej., O(rganización de) N(aciones) U(nidas), –  O(bjeto) V(olante) N(o) I(dentificado),  -  Í(ndice de) P(recios al) C(onsumo).

La sigla a diferencia del anagrama no tiene articulación fonética, es decir, que en el caso del anagrama se crea con las iniciales una nueva palabra que se lee como tal, mientras que en las siglas hay que leer letra a letra.

Y del monograma se diferencia en que en el caso de las siglas no se intenta crear un símbolo fundido en una sola unidad, sino que las letras están bien diferenciadas por separado.

Inicial

Proviene del latín initialis, que significa lo que pertenece o es relativo al origen o principio de las cosas.

En el caso de una marca verbal, se refiere a la primera letra de una palabra o nombre de una persona, entidad o empresa, la cual se utiliza a modo de síntesis para identificar rápidamente la unidad de que se trate.

Firma

Es un término que casi no se emplea en el diseño gráfico para definir el elemento formal de una marca, sin embargo la firma ofrece una característica propia que viene heredada desde su misma concepción, pues se refiere al nombre, apellido, título o distintivo que una persona escribe de propia mano para dar autenticidad a un determinado producto.

A la firma la podemos considerar como otra variante del logotipo, la cual es aplicada en la actualidad en productos o servicios normalmente de calidad o exclusivos, más frecuentemente cuando se quiere destacar la personalidad de una persona en concreto, es decir, cuando son productos o servicios “de autor”.

Pictograma

Del latín pictus, “pintado”, y -grama, “letra” o “escrito”.

Según la RAE: Signo de la escritura de figuras o símbolos.

En diseño se trata de una marca diseñada en forma iconográfica. Es una forma de escritura que emplea figuras o símbolos producto de la síntesis de los objetos y formas de la realidad cotidiana.

Digamos que un pictograma trata de expresar con una imagen sintetizada una palabra. Los pictogramas en la antigüedad fueron utilizados como forma de escritura, como es el caso de los jeroglíficos, pero ahora son empleados principalmente para la elaboración de sistemas de señalización o como parte figurativa de las marcas, esto debido a su facilidad para cruzar las barreras del lenguaje hablado y escrito así como por su alta pregnancia.

Un pictograma se puede a su vez subdividir en dos tipos:

• Pictogramas figurativos: Son aquellos que buscan una representación reconocible de la realidad. Son formas fácilmente asociables a objetos, animales, frutas, etc. Normalmente, si hablamos de una marca comercial, se busca siempre encontrar la máxima síntesis sin perder el significado, ya que está demostrado que en diseño “menos es más”, por lo que en estas representaciones realistas, se suele jugar mucho con las siluetas y contornos de los objetos, eliminando todo detalle innecesario que no defina la esencia del objeto.
• Pictogramas abstractos: Son aquellos en los cuales no se encuentra (al menos de forma rápida) una relación evidente con algún elemento de la realidad.  Son formas abstractas que destacan normalmente por sus sensaciones, mediante colores, formas y composiciones. En estos casos su fuerza y pregnancia suele residir normalmente en la pureza de la geometría y/o en el significado intrínseco y subliminal que tienen determinadas formas, grosores, líneas e inclinaciones, además claro está de los ya mencionados colores.

Isologo (o logosímbolo) e imagotipo

Vienen a significar casi lo mismo, ya que se trata de fundir las palabras isotipo y logotipo de 2 diferentes maneras. Por lo tanto, ambas palabras significan la interacción entre el logo y el isotipo, es decir, cuando una marca se compone de símbolo y palabra(s).

Pero hay una diferencia fundamental entre estos dos términos casi iguales:

• Isologo (o logosímbolo): es el texto y el icono fundidos, no se pueden separar. El texto está dentro de la imagen o la imagen dentro del texto.
• Imagotipo: cuando existen ambos elementos pero están separados, comunmente el icono arriba y el texto debajo, o el icono a la izquierda y el texto a la derecha, etc. Eso ya es variable en cada caso y precisamente al estar independientes, tienen mucha mayor libertad para formar diversas composiciones.

Conclusiones:

Como ya se dijo al principio, existe una gran confusión en general a cerca de todos estos términos, y para los estudios de diseño online como el nuestro, que compiten con otros estudios de diseño para posicionarse en los primeros puestos de los buscadores, se complica la cosa, ya que se genera un conflicto entre poner “lo correcto” o lo que la mayoría entendería y encontraría.

Ya no solo es que nos encuentren en los buscadores, sino que si pones “diseño de isologos e imagotipos” en vez de “diseño de logos”, muchos no pensarían que están en el lugar adecuado. O incluso con “Identidad visual” tampoco entenderían mucho, siendo la expresión “Imagen de marca” la que entenderían en su defecto, que tal y como se pudo leer en este artículo, estaría mal dicho, ya que la imagen de marca no se diseña sino que es la suma de conceptos que una persona tiene en su mente a cerca de una marca, en base no solo al diseño sino a la publicidad, el marketing, la calidad, precio, servicio, etc.

En definitiva, que los tecnicismos los hemos intentado explicar bien, pero que en la puesta en práctica, es dificil usarlos correctamente, ya que entonces muchos no te entenderán y otros te tomarán por un pedante, siendo pocos los que valorarán positivamente tu uso correcto del lenguaje.

Es una pena pero es así, ya que para algo existe nuestro rico y variado lenguaje, pero como ocurre muchas otras veces se desvirtúa en favor de lo popular, lo cual dicho sea de paso, también es bueno, ya que al fin y al cabo, nos terminamos entendiendo, que es lo importante :)

Igualmente, si te ha sido útil todo esto, déjanos un saludito o puntuaciones :)

Gracias!

Referencias:

• www.rae.es
• www.uvmnet.edu/investigacion/episteme/numero4-05/enfoque/a_marca.asp
• Wikipedia

Actualmente  dejaremos atrás estos pensamientos, ya que en Japón los pioneros de la agencia Barcode  nos han presentado una serie de atractivos, innovadores y lo que es más importante, funcionales diseños de códigos de barras.

Como los que veremos a continuación:

La agencia japonesa  Design Barcode, Inc , creada en el 2004, hasta el momento no ha tenido ningún caso de lectura falsa, para asegurarse de esto todos los códigos de barras antes de ser enviados a producción  son sometidos a pruebas de  calidad, evitando de esta manera ese tipo de inconvenientes.

Si desean ver más ejemplos de estos diseños de códigos de barras creativos los pueden encontrar en la página de Design Barcode, Inc :

http://www.d-barcode.com/barcode/barcode_products.html

También  pueden ver estos diseños en el siguiente video:

Los siguientes textos e imagenes están extraidos de este interesante artículo:

Recientemente Disney ha realizado un estudio para analizar el fracaso de la película “Tiana y el sapo”, denominada en EE.UU. “La princesa y la rana”. Parece ser que la conclusión de ese estudio es que los nombres femeninos en los títulos o alusiones a princesas hacen que los niños no sientan el menor interés por la película y crean que es demasiado femenina o dirigida exclusivamente a las niñas. También es cierto que con este título si los niños se tenían que identificar con el sapo o la rana, lo tenía claro, puesto que en principio no parece demasiado atractivo el papel.

Está claro que hasta un niño sabe identificar rápidamente, aunque sea de forma inconsciente, hacia qué “target” o “público objetivo” va dirigida cada cosa que le interesa. Ya sea un juguete, una película o la ropa que se pone. Esto por supuesto, se incrementa y se hace más complejo e interconectado según avanzamos en edad, por lo que revela el papel fundamental que tienen los pequeños detalles a la hora de elegir las cosas de forma impulsiva e inconsciente, que es la mayoría de las veces.

El artículo continúa diciendo otras cosas interesantes:

Según investigaciones de la doctora Joan Meyers-Levy, de la escuela de negocios de la Universidad de Chicago, los hombres y las mujeres difieren en sus respuestas a los mensajes publicitarios. La llamada “hipótesis de la selectividad”, afirma que los hombres eliminan y que las mujeres integran cuando procesan la información.

Esta teoría sobre las diferencias en los procesamientos de la información afirma que las mujeres tienden a procesar información de una forma más comprensiva que los hombres, seleccionando tanto la información relevante como la también denominada como irrelevante y detallada, de una forma más completa y extensiva, mientras que en los hombres es más rápido y eficiente, menos detallado. Dos formas de procesamiento de la realidad y la información que, según Meyers-Levy, son diferentes y se remontan al origen de la raza humana.

Meyers-Levy destaca la importancia que tiene esto para los publicistas, ya que “el éxito de sus campañas publicitarias a menudo depende de los juicios y conocimientos que los consumidores asimilan de tales campañas”.

Al publicitar a hombres, la regla es mantener el mensaje simple y destacar un único punto, ya que los hombres están menos interesados en fijarse en cada detalle o procesar niveles de información complicados. Con las mujeres la publicidad puede dar mas detalles ya que es más probable que las mujeres no sólo lean por encima, sino que completen la lectura de todo el artículo o vean el anuncio íntegro, realizando muchas asociaciones mentales durante el proceso.

Por tanto Disney no sólo tendrá que dejar de titular con nombres femeninos o princesas, sino que debe articular mensajes directos y sencillos, en el que se destaque un único punto. Según este estudio de la Sra. Meyers-Levy, claro.

Pero para nada es así, incluso entre monitores de la misma marca y modelo, existen diferencias en ocasiones sustanciales.

Calibrar de manera profesional un monitor no es fácil ni barato, y se requiere de calibradores (aparatos que hay que comprar a parte), y tener un cierto nivel técnico para saber afinarlo al máximo.

Pero para uso doméstico o semi-profesional, se puede hacer una calibración aproximada usando herramientas digitales (software), de las cuales hay una gran variedad en internet.

A continuación os proponemos un calibrador de monitores online sobre todo para monitores LCD, que nos resultó interesante y completo:

http://www.lagom.nl/lcd-test/

Entrando en esta página, podréis ver arriba unos cuadraditos para ir pasando de sección en sección e ir ajustando el monitor en sus diferentes características.

En cada sección, si bajas hacia abajo, podrás ver una explicación más detallada de cómo se debería ver y calibrar.

RECOMENDACIONES:

En la propia web se va explicando todo paso a paso, pero de ante mano es importante especificar que se recomienda hacer la calibración con poca luz en la habitación, ya que si entra la luz del sol, hay muchos reflejos o mucha luz artificial, la imagen resultante siempre se verá distinta a como realmente la está emitiendo el monitor.

TRADUCCIÓN:
Si no dominas el inglés, siempre puedes usar el traductor de páginas de Google, que aunque no es perfecto, ayuda en buena manera a entender lo que dice.
Desde el siguiente link podrás ver la web de calibración de monitores LCD traducido con la herramienta de traducción de Google:

http://translate.google.com/translate?js=y&prev=_t&hl=es&ie=UTF-8&layout=1&eotf=1&u=http%3A%2F%2Fwww.lagom.nl%2Flcd-test%2F&sl=en&tl=es

Espero te sirva de ayuda y si conoces herramientas mejores agradeceríamos las compartas con todos nosotros :)

Aunque en TenTuLogo somos de diferentes partes del mundo, su “génesis” es Española, y como tal, nos alegramos mucho por España, que en la recta final del mundial ha sabido sacar su garra y buen fútbol, llevando al extremo la emoción de cada partido, para que finalmente, poder levantar la copa de campeones del mundo. Felicidades España!!!!!

Son muchas las anécdotas que ha dejado este mundial, por lo que hemos hecho una pequeña recopilación como homenaje:

Del bosque por fin sonriente!

Como no, no podíamos terminar este artículo sin hacer mención al animal más popular del mundo ahora mismo, el pulpo Paul!!.

Tanto es así, que algunos ya proponen una nueva versión de la bandera…. ¡Que viva España!

Bandera con el Pulpo Paul

Serán consejos basados tanto en nuestra propia experiencia, como en la sabiduría de grandes maestros de los negocios o incluso en ocasiones grandes maestros del pensamiento o la espiritualidad, ya que le queremos dar a estos capítulos no solo un enfoque meramente empresarial, sino también conceptual y filosófico que esperamos les guste y les ayude en todos los ámbitos de la vida.

Nos encantará recibir comentarios, aportes, opiniones y todo lo que haga falta :)

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Aquí vemos la versión final de nuestra aplicación,  de esta manera quedará la aplicación explicada, como es el primer tutorial de programación de juegos en J2ME que hacemos en nuestro blog, veremos una estructura de código sencilla donde se explicará que es lo que hace.

Para los que tienen conocimientos de programación y saben algo de Java esto va a ser más fácil que sumar 1+1 pero para quienes quieren programar y no saben nada se va a complicar un poco.

Y para los que entraron alentados por el propio clásico juego PONG y no quieran programarlo para poder jugarlo, aquí tienen un link con varios versiones para PC listas para descargar y jugar!

http://www.pong-story.com/pcpong.htm

Para los que quieren programarlo:

Para comenzar descargaremos el NetBeans 6.X lo pueden buscar en Google o haciendo clic en el siguiente link:

http://netbeans.org/downloads/index.html

Al final del post se podrán descargar el código fuente de la aplicación.

Ahora comencemos con el código.

Veamos la primera imagen del código, ya que este código estará formado por 2 clases (una clase es un archivo que contiene código), el primero y el principal se llamará MIDletMain y la clase que contendrá la interfaz del juego se llamará PongCanvas (ambos con extensión .java)

Analicemos juntos:

En la línea 1 tenemos el nombre del paquete, ¿te preguntas que es un paquete?, bueno al igual que tienes una cartuchera para guardar su lapicero, borrados, lápiz, etc. El paquete almacena un conjunto de ficheros (como vemos) y que indica que se agrupan en un lugar específico (para ser más coloquiales “sólo para ordenarlos”)

Luego tenemos los import (importar paquetes de Java, sino sabes sobre esto debes aprender Java pero voy a explicarlo de una manera sencilla), primero importamos el paquete midlet.MIDlet que es el que ejecutará la aplicación (indica que la clase es el núcleo de la aplicación) y lcdui.Display (que genera la interfaz del celular vacía).

Luego declaramos tu clase (Que se genera cuando creas el MIDlet). Después en la línea 11 vemos Display pantalla, significa que del paquete Display declarado en la línea 4 vamos a crear un hijo (algo que lo controle) y vemos PongCanvas pc (por el momento ignóralo).

Luego vemos el método constructor de la clase y vemos que en el creamos el pantalla = Display.getDisplay(this) que sirve para crear la interfaz del celular y en los dispositivos para comenzar a trabajar a modo de interfaz gráfica.

Luego tenemos 3 método OBLIGATORIOS, el método startApp, pauseApp y destroyApp; el startApp es el MAIN ahí va tu código para iniciar la aplicación, por ello ahí coloco pantalla.setCurrent(pc) que indica que va a mostrar a la clase PongCanvas (lo veremos después) y luego inicio el juego con el método initGame.

Luego el pauseApp sólo déjalo como está sino no ejecutará tu aplicación y el destroyApp que sirve para finalizar la aplicación. Luego tenemos el método salirDelJuego(), que lo he incorporado para determinar que el método finalizará la aplicación.

Ahora vamos a ver la parte donde se genera el juego:

Vemos que llamamos 3 paquetes: el paquete Canvas, Graphics y Fonts, el primero sirve para dibujar en la pantalla del dispositivo móvil, el segundo sirve para cargar los gráficos y llama todos los métodos necesarios para poder trabajar con gráficos y Fonts es para usar un tipo de letra con el formato que queramos.

Luego vemos la declaración de las variables, las más importantes son el ancho, el alto, las posiciones de los jugadores, el ancho y alto de cada jugador, sus puntajes y variables para el manejo de los comandos.

En la línea 19 tenemos el método constructor que inicia la pantalla a modo completo, después vemos el método clave que se llamo en la primera clase que es el initGame que carga todos los datos, cabe resaltar que this.getWidth() y this.getHeight() obtiene el tamaño de la pantalla y a partir de ella calculamos el ancho del player y su alto al igual que todas las posiciones, esto sirve para que el juego se adapte a cualquier pantalla, terminando este método vemos que creamos un Thread (un hilo que se encarga de manejar procesos en paralelo, como cuando usas tu pc y tienes messener, firefox, ie, tus juegos, etc; abiertos al mismo tiempo).

Vemos el método run() que es el que se ejecuta a través del Thread creado en el método initGame(), en esta sección se da la lógica de pintar los elementos en pantalla y de dar un retardo de tiempo (en milisegundos) el Thread.sleep.

Luego vemos 2 métodos necesarios para que se dé el movimiento del jugador, el método que detecta la presión de teclas (keyPressed) y cuando soltamos las teclas (keyReleased), este método no necesita explicación, lo único que hay que resaltar que sólo se va a dar mientras el juego no esté en pausa, el método getGameAction(keycode) es un método de Java que reconoce la presión de las teclas.

Luego tenemos el método realizarMovimiento(), que es el que se encarga de mover a nuestro jugador dependiendo de la tecla que presionemos, recuerde que en el celular el punto 0,0 es la esquina superior izquierda y a partir de ahí a la derecha y hacia abajo son positivos. Esta sección es mejor investigarla para entender mejor ejes del plano cartesiano (sino entiende).

Ahora vemos el método moverPelota, que es el que se encarga de mover la bola por el tablero, de identificar si ha golpeado con una de las raquetas (nosotros o el oponente) y verificar si es que es nos pasó y contar punto a favor del otro.

El método mostrado es uno de los más complicados y se trata de darle inteligencia artificial a nuestro oponente (ya que es una máquina), este método deben entenderlo ya que es la base de la IA en los videojuegos, hay un libro especializado para la programación de inteligencia artificial en los videojuegos, cuando lo encuentre lo adjunto y voy a dedicar un post a la inteligencia artificial en los videojuegos.

Finalmente el método que pintará todo, este método es OBLIGATORIO en MIDP1.0 (lo que usamos ahora, en otro post explicaré otro juego con MIDP 2.0), analicemos cada línea:

g.setColor(0X000000): Significa que va a asignar color negro para el pintado (el color esta en hexadecimal).

g.fillRect(0,0,ancho,alto): Vamos a pintar un cuadrado negro desde el punto inicial hasta el fin de la pantalla (de esquina a esquina)

g.setColor(0X00FF00): Luego asignamos el color verde para pintar.

moverPelota(): Llamamos al método moverPelota() que habíamos visto anteriormente.

generarMovimientoArtificial(): Llamamos al método generarMovimientoArtificial() de la parte superior.

realizarMovimiento(): Llamamos al método realizarMovimiento().

Luego realizamos la misma lógica para pintar los puntajes, a los personajes y asignar la el tipo de letra a utilizar.

Ahora tenemos todo el código, pero supongo que la duda es ¿y dónde llamamos al método paint, el método keyPressed y el keyReleased? Muy bien el paint lo llamamos en el método run() con el método this.repaint() y con this.serviceRepaint() nos aseguramos que se actualicen los elementos. Y los métodos keyPressed y keyReleased los lee automáticamente la aplicación al presionar una tecla.

Espero les sirva de algo y muy pronto publicaré otros artículos muy interesantes.

Hasta pronto y les adjunto referencias y el código fuente:

Descargar Código Fuente PongBeans

http://www.harkoblog.com/wp-content/uploads/2007/02/pong1.jpg

http://www.programaciondevideojuegos.net

http://www.programacion.com/articulo/programacion_de_juegos_para_moviles_con_j2me_286

http://leo.ugr.es/J2ME/APPS/GuionTetris/guionNetbeansMoviles.pdf

http://www.taringa.net/posts/ebooks-tutoriales/1539642/Domina-tu-Celular!___-Program%C3%A1-en-J2ME.html

http://www.taringa.net/posts/downloads/2330816/Curso-de-programacion-de-J2ME-%28juegos-java%29.html

Esperamos que les agrade, nos pareció divertida :)

http://en.tackfilm.se/

Al compás de las vuvuzelas, tal como lo dice el blog de WordPress.org, la semana pasada salió la tan esperada versión oficial de WordPress 3.0. Desde hace ya tiempo se ha venido anunciando su llegada y de las novedades con la que contaría, muchas de ellas se apreciaron en la versión beta y en las versiones release candidate: RC1, RC2 y RC3 se fueron consolidando y ahora las podemos apreciar oficialmente, y para hacer un recuento de las características a destacar que trae wordpress 3.0 revisemos la siguiente lista.

Características principales del nuevo WordPress 3.0

• El nuevo tema por defecto “Twenty Ten” con la posibilidad de personalizar los fondos de los temas, con un mejorado soporte de temas hijos permitiendo modificar o agregar funcionalidad del tema padre.
• La codificación de WordPress y WordPress MU se han fusionado y ahora es llamada Multisitio, pero para que funcione adecuadamente requiere configuraciones en wp-config.php
• Presenta un panel de menú con características drag and drop posibilitando la creación de menús personalizables.

WordPress 3.0 trae nuevas funcionalidades y cambios en el panel de administración, por mencionar las más resaltantes:

ESCRITORIO

• Se movió la opción Actualizar del panel de Herramientas al panel de Escritorio.

ENTRADAS

• Permite remover todos los tags en la edición rápida, aunque esto realmente ya se podía antes, pero siempre viene bien recordarlo.
• Almacena las entradas borradas en una papelera donde se puede restaurar, también al momento de borrar una entrada muestra una opción para deshacer el borrado.

• Permite temas para dar estilo css al editor visual.

(http://azaozz.wordpress.com/2010/01/02/can-themes-style-the-visual-editor/)

• Genera shortlink como el de bit.ly, pero necesita de un plugin o del soporte del tema para ver su funcionalidad completa.

COMENTARIOS

• Almacena los comentarios borrados en una papelera donde se puede restaurar, también al momento de borrar un comentario muestra una opción para deshacer el borrado.
• 

APARIENCIA

• El soporte para temas hijos mejorado.
• Agrega más áreas para colocar las widgets.
• Se agregó la opción Menus en el panel de Apariencia para la personalización de los enlaces que irán debajo de la cabecera en la página principal del blog, en la que pueden vincularse páginas, categorías y enlaces externos.
• Se agregó la opción Fondo en el panel de Apariencia para la personalización del color o una imagen para el fondo del blog.
• Se agregó la opción Cabecera en el panel de Apariencia para la personalización de la cabecera, donde se puede escoger una imagen, subir una imagen propia o no colocar una imagen en la cabecera

PLUGINS

• Se agregó las opciones para Detalles que muestra una ventana con la información del plugin de wordpress.org y para Instalar Ahora debajo de cada plugin en la opción Añadir en el panel de Plugins.
• Cuando se eliminan los plugins, chequea los hooks no desintalados y advierte de la eliminación de datos.

HERRAMIENTAS

• Se ha aumentado las opciones para exportación de entradas como delimitador de fecha, selector de categorías, opción para exportar páginas y/o entradas y selector de los estados de las entradas o páginas.

OPCIONES

• Se eliminó el panel Misceláneo y las opciones de subida de archivos se incluyó dentro de la opción Multimedia.

Traducción al español

Ya está disponible la traducción al español desde el portal de wordpress en español en http://es.wordpress.org/. Aunque las traducciones de las versiones beta y de los release candidate estuvieron disponibles desde hace tiempo en http://wordpress3-es.com/descargas-3/

Y.. ¿PARA LOS DESARROLLADORES?

Para los desarrolladores que necesitan generar temas y plugins con opciones personalizadas, esta versión del WordPress ha agregado mejoras en los Tipos de entrada personalizados que permite crear otro tipo de contenido personalizado a parte de páginas y entradas; como su propio nombre lo dice están basados en la estructura de entradas, tiene otro tratamiento. Además de que incluyen soporte jerárquico como en las categorías mediante taxonomías personalizadas. Para un uso adecuado de esta característica, en wordpress.org recomiendan usar un par de plugins para probar esta funcionalidad (Custom Post Type UI o GD Custom Posts And Taxonomies Tools).

Probé el plugin GD Custom Posts And Taxonomies Tools, lo descargué (http://downloads.wordpress.org/plugin/gd-taxonomies-tools.zip) del directorio de plugins de wordpress (http://wordpress.org/extend/plugins/gd-taxonomies-tools/), lo activé. Luego apareció un menú para crear los tipos de entrada personalizables incluyendo las configuraciones del tipo personalizado dentro del panel de control como en el blog.

Luego de creado se puede observar las nuevas opciones agregadas al panel de administración y que muestran un funcionamiento similar a la de las entradas: tienen categorías, tags, y son administrables.…

WORDPRESS AHORA MULTISITIO

Como ya se había anunciado hace mucho, la versión 3.0 de wordpress trae la posibilidad de crear varios blog bajo el mismo dominio, a través de subdominios o subdirectorios. Para lo cual es necesario modificar una línea en wp-config.php:

define(‘WP_ALLOW_MULTISITE’, true);

Es requisito, para instalar la opción multisitio desactivar todos los plugins para configurarlo; es posible que aparezcan algunas advertencias y requisitos si decides hacerlo en base a subdominios, luego de pasado todo eso te aparecerá una pantalla donde te indicará los detalles de tu red y la opción para instalar.

Luego te aparecerán los pasos que debes seguir para instalar correctamente:

1. Hacer un backup de los archivos wp-config.php y .htaccess
2. Crear el directorio “blogs.dir” para guardar los archivos de cada blog.
3. Y modificar los archivos wp.config.php y .htaccess con la nueva configuración que permitirá la funcionalidad Multisitio.

Luego te aparecerá un nuevo menú por encima de Escritorio con las opciones para el SuperAdmin que administrará todos los sitios creados, incluye:

• Administrar: Aquí podrás crear nuevos sitios y asignarles usuarios
• Sitios: Listará los sitios que tengas en la red.
• Usuarios: Listará los usuarios de toda la red.
• Temas: Permite activar los temas que se suben para que puedan estar disponibles para cada sitio.
• Opciones: Muestra las configuraciones para toda la red, que se aplicará a todos los sitios.
• Actualizar: Ejecutar las actualizaciones automatizadas para cada sitio.

Como hemos visto, se han agregado varios cambios en las características por lo que para aquellos que desarrollan plugins y temas para wordpress, es hora de probarlos para verificar su funcionalidad; sobre ello, en wordpress.org indican que se han agregado varias funciones y se realizaron varios cambios por lo que es bueno revisar esa información en:

• http://codex.wordpress.org/Version_3.0

Como era de esperarse, ya están anunciadas las entregas de las versiones 3.1 para Agosto y 3.2 para Noviembre.

FUENTES:

• http://wordpress.org/development/2010/06/thelonious
• http://es.wordpress.org/
• http://codex.wordpress.org/Version_3.0
• http://azaozz.wordpress.com/2010/01/02/can-themes-style-the-visual-editor/
• http://wordpress3-es.com/descargas-3/
• http://codex.wordpress.org/Create_A_Network
• http://wordpress.org/about/roadmap

La realidad aumentada es un tema que está dándose a conocer, hay muchos proyectos en desarrollo y otros que ya están en el mercado. Es una tecnología relativamente nueva que se diferencia de la realidad virtual.

Entonces podemos definir la realidad aumentada como el entorno real mezclado con lo virtual. La realidad aumentada puede ser usada en varios dispositivos desde computadoras hasta dispositivos móviles: HTC android e Iphone los dispositivos que ya están implementando esta tecnología.

¿Y dónde puedo probar esta nueva tecnología?

Monitor del ordenador: instrumento donde se verá reflejado la suma de lo real y lo virtual que conforman la realidad aumentada.

• Cámara Web: dispositivo que toma la información del mundo real y la transmite al software de realidad aumentada.

• Software: programa que toma los datos reales y los transforma en realidad aumentada.

• Marcadores: los marcadores básicamente son hojas de papel con símbolos que el software interpreta y de acuerdo a un marcador especifico realiza una respuesta especifica (mostrar una imagen 3D, hacerle cambios de movimiento al objeto 3D que ya este creado con un marcador)

Como ves para manejar la realidad aumentada no es necesario ser un experto ni invertir millones, sólo que conozcas algo de Flash (con Flex), AS3 (obvio) y lógica de programación.

¿Y qué tipo de aplicaciones puedo crear?

La Realidad Aumentada ofrece infinidad de nuevas posibilidades de interacción, que hacen que esté presente en muchos y varios ámbitos, como son la arquitectura, el entretenimiento, la educación, el arte, la medicina o las comunidades virtuales.

Proyectos educativos:

Actualmente la mayoría de aplicaciones de Realidad Aumentada para proyectos educativos se usan en museos, exhibiciones, parques de atracciones temáticos… puesto que su coste todavía no es suficientemente bajo para que puedan ser empleadas en el ámbito doméstico. Estos lugares aprovechan las conexiones wireless para mostrar información sobre objetos o lugares, así como imágenes virtuales como por ejemplo ruinas reconstruidas o paisajes tal y como eran en el pasado.

Cirugía:

La aplicación de Realidad Aumentada en operaciones permite al cirujano superponer datos visuales como por ejemplo termografías o la delimitación de los bordes limpios de un tumor, invisibles a simple vista, minimizando el impacto de la cirugía.

Entretenimiento:

Teniendo en cuenta que el de los juegos es un mercado que mueve unos 30.000 millones de dólares al año en los Estados Unidos, es comprensible que se esté apostando mucho por la Realidad Aumentada en este campo puesto que ésta puede aportar muchas nuevas posibilidades a la manera de jugar. Una de las puestas en escena más representativas de la Realidad aumentada es el “Can You See Me Now?”, Es un juego on-line de persecución por las calles donde los jugadores empiezan en localizaciones aleatorias de una ciudad, llevan un ordenador portátil y están conectados a un receptor de GPS. El objetivo del juego es procurar que otro corredor no llegue a menos de 5 metros de ellos, puesto que en este caso se les hace una foto y pierden el juego. La primera edición tuvo lugar en Sheffield pero después se repitió en otras muchas ciudades europeas. Otro de los proyectos con más éxito es el ARQuake Project, donde se puede jugar al videojuego Quake en exteriores, disparando contra monstruos virtuales. A pesar de estas aproximaciones, todavía es difícil obtener beneficios del mercado de los juegos puesto que el hardware es muy costoso y se necesitaría mucho tiempo de uso para amortizarlo.

Servicios de emergencias y militares:

En caso de emergencia la Realidad Aumentada puede servir para mostrar instrucciones de evacuación de un lugar. En el campo militar, puede mostrar información de mapas, localización de los enemigos…

Arquitectura:

La Realidad Aumentada es muy útil a la hora de resucitar virtualmente edificios históricos destruidos, así como proyectos de construcción que todavía están bajo plano.

Apoyo con tareas complejas:

Las tareas complejas, como el montaje, mantenimiento, y la cirugía pueden simplificarse mediante la inserción de información adicional en el campo de visión. Por ejemplo, para un mecánico que está realizando el mantenimiento de un sistema, las etiquetas pueden mostrar las partes del mismo para aclarar su funcionamiento. La Realidad Aumentada puede incluir imágenes de los objetos ocultos, que pueden ser especialmente eficaces para el diagnóstico médico o la cirugía. Como por ejemplo una radiografía de rayos vista virtualmente basada en la tomografía previa o en las imágenes en tiempo real de los dispositivos de ultrasonido o resonancia magnética nuclear abierta.

AR puede aumentar la eficacia de los dispositivos de navegación para una variedad de aplicaciones. Por ejemplo, la navegación dentro de un edificio puede ser mejorada con el fin de dar soporte al encargado del mantenimiento de instalaciones industriales. Las Lunas delanteras de los automóviles pueden ser usadas como Pantallas de visualización frontal para proporcionar indicaciones de navegación y información de tráfico.

Aplicaciones Industriales:

La realidad aumentada puede ser utilizada para comparar los datos digitales de las maquetas físicas con su referente real para encontrar de manera eficiente discrepancias entre las dos fuentes. Además, se pueden emplear para salvaguardar los datos digitales en combinación con prototipos reales existentes, y así ahorrar o reducir al mínimo la construcción de prototipos reales y mejorar la calidad del producto final.

Publicidad:

Una de las últimas aplicaciones de la realidad aumentada es la publicidad. Hay diferentes campañas que utilizan este recurso para llamar la atención del usuario.

Fiat ha lanzado una campaña en la que cualquier usuario puede crear su propio anuncio de televisión con el Fiat 500 como protagonista a través de la página web, el usuario solo necesita tener una webcam.

La revista Esquirre publica en la edición de diciembre del 2009 diferentes códigos QR (Quick Response), que son una variante más potente de los códigos de barras que pueden ser escaneados por una webcam que en reconocerlos nos ofrece información extra sobre el producto. Los códigos QR que incorpora la revista son reconocidos por las webcams de los usuarios y en ser reconocidos activan un video superpuesto a la imagen de la webcam. Para poder interpretarlos se necesita un software especifico.

Aunque esta última información sobre donde se puede aplicar la realidad aumentada ha sido bajo otros medios (Wikipedia), para nosotros el principal punto de la realidad aumentada es la simulación arquitectónica, educativa y la publicidad.

Finalmente entramos a un mundo que mezcla lo real con lo virtual creando una intriga en nosotros ¿y si esto hay hoy? ¿Qué habrá mañana? Sólo hay que esperar ya que el futuro no está muy lejos.

¿Hay tutoriales sobre realidad aumentada?

Al ser una tecnología relativamente nueva, aún es dificil encontrar en internet tutoriales extensos y de calidad, y menos aún es español. Pero aún así, hemos encontrado interesantes webs con tutoriales y ejemplos prácticos, tanto en español como en inglés.

• Tutorial básico realidad aumentada
• Realidad Aumentada Aplicaciones y Ejemplos Prácticos
• TOP 10: Lo mejor de la Realidad Aumentada
• Realidad Aumentada modelada por vos en Sketchup.
• Tutorial – Quick and Easy Augmented Reality from SketchUp/3DMax etc
• FLARVision: Augmented Reality and Papervision
• Getting Started with Augmented Reality
• How To Create Augmented Reality Apps
• Getting Started with Augmented Reality and the Flash Platform
• Videos – How To Create An Augmented Reality Application with Flash
• http://gotoandlearn.com/

Vídeos aplicando realidad aumentada:

Logorama

El cortometraje ganó el Óscar al mejor cortometraje animado en 2010 y el Premio Kodak en el Festival de Cine de Cannes de 2009, entre otros premios.

Los autores son Francois Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain, siendo Houplain el fundador de H5 y el “culpable” de esta magnífica idea.

En una entrevista (que se puede leer parcialmente aquí), cuenta como en Logorama intervienen más de 2.500 logos, los cuales, tardaron más de año y medio en seleccionar entre más de 45.000.

En total, los 17 minutos que dura el cortó son fruto de 4 años de trabajo, por lo que pueden estar seguros que merece la pena.

Se echan de menos o por lo menos nosotros no las hemos visto, algunas importantes marcas como la de Nike, Firefox o CocaCola, aunque muy probablemente, la botella que le tira el niño en el zoologico al león de la Metro Goldwyn Mayer, sea una botella de CocaCola.

Para que puedan disfrutar plenamente de esta espectacular obra de arte, les mostramos 2 versiones integras:

Versión original en HD (Alta definición)

Versión subtitulada en Español

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Su éxito se debe en parte al gran potencial de su tecnología siempre en progreso, pero tal vez, sin su sencillez visual, no hubiese llegado hasta donde ha llegado, ya que en Google lo que prima es la información.

De ahi que la gran mayoría prefiera tener Google como página de inicio y así evitar otros buscadores más recargados que terminan cansando con el paso del tiempo.

Y es que el logo de Google ya se ha hecho tan familiar, es tan sencillo y amigable que parecería imposible que fuese de otra manera. Ver los antecedentes de lo que es el logo actual, es casi como un “sacrilegio” a nuestra concepción del afamado buscador.

Los primeros años

En 1995  Sergey Brin y Larry Page se conocen en la Universidad de Stanford y poco más tarde comienzan a trabajar en el Digital Library Project de la Universidad de Stanford.

En 1996 comienzan a desarrollar un buscador llamado BackRub. Este nombre se lo dan debido a que la mayor habilidad de este motor de búsqueda es analizar los back links.

En 1997 Backrub se transforma en Google. Sobre el primer logo se puede decir poco salvo que la genialidad y talento de Sergey Brin y Larry Page para la programación no relucía en su faceta artística.

Wikipedia: El nombre Google es un juego de palabras entre el número gúgol (googol) (término improvisado por el sobrino de nueve años de Edward Kasner, Milton Sirotta, en1938, que representa el 10 elevado a la 100) y las gafas (goggles).

Poco más tarde, en 1998, Sergey Brin diseña este nuevo logo que ya se va pareciendo más al actual, pero que aún distaba mucho en sus rasgos tipográficos y sutileza de colores, los cuales, aun siendo en esencia y en el mismo orden los actuales,  aún son demasiado al estilo de los colores web html de aquella época.

Según google.dirson.com esos colores surgieron de las piezas de Lego dada la afición de sus fundadores por este juguete, con el que hicieron el primer servidor y al cual han rendido un homenaje con un logo conmemorativo con motivo de su 50 cumpleaños.

Este “primer” logo tenía además un uso abusivo de sombras, lo cual le daba un aspecto un tanto amateur. Sergey utilizó para diseñarlo el software de edición de imágenes GIMP. Se puede observar en este logo como incorporaba un signo de exclamación que recordaba al emblema del portal más famoso de aquellos días, Yahoo.

Ruth Kedar y las nuevas propuestas

Fue en 1999 cuando Larry Page y Sergey Brin decidieron que había llegado el momento de cambiar el logotipo del buscador por otro más profesional, más trabajado y más atractivo visualmente.

Para ello contactaron con Ruth Kedar, una diseñadora gráfica nacida en Brasil pero criada en Israel que ejercía de profesora asistente en la Universidad de Stanford, a la cual le encargaron la creación de una serie de prototipos, entre los que ellos elegirían el que más les gustara.

En la revista Wired, Sonia Zjawinski entrevista a Ruth Kedar que explica detalladamente cada propuesta. El artículo original en inglés lo pueden ver aquí.

En la imagen a la izquierda se puede ver la evolución de dichas propuestas diseñadas por Kedar.

En la primera propuesta hay una predominancia de negros, con una tipografía basada en la afamada Adobe Garamond, de cuya historia ya hemos hablado en este anterior artículo sobre la historia de las tipografías. Es una propuesta muy sencilla en donde prima la legibilidad.

En la segunda propuesta ya se usa la tipografía Catull, la cual pasaría a formar parte del logo final, solo que con otra “puesta en escena”. Sigue predominando el negro, lo cual no le terminaba de gustar a los fundadores de Google.

En la tercera propuesta se usa la tipografía ITC Leawood utilizando las “oes” como síntesis de lo que serían los aros olímpicos, como metáfora de que se trataba de un buscador mundial “campeón” que se mostraba en numerosos países y culturas de todo el mundo.

En las siguientes propuestas ya se comienza a incorporar el color en todas las letras y serán propuestas que jugarán con las letras de diferentes maneras, unas veces de forma más agraciada que otras. El orden de los colores para cada letra varía en estas propuestas intermedias.

La octava propuesta es como todos sabemos la que finalmente escogieron, que curiosamente, después de tantas vueltas con los colores, serían finalmente los mismos y en el mismo orden que el original de 1998, solo que con un matiz un poco más armonizado y moderno. Respecto a ese logo inicial de Sergey de 1998 varía solamente en el tipo de letra, que como ya se dijo anteriormente se trata de la tipografía Catull y que lleva una sombra paralela un poco más sutil, eliminando el signo de exclamación como en todos los demás prototipos.

El logo actual

En Mayo de 2010 Google ha lanzado su nuevo logo sutilmente rediseñado.

Mantiene la misma tipografía con un grosor ligeramente mayor y los colores en esencia son los mismos y en el mismo orden, solo que con otro matiz más sutil.

La mayor característica de este nuevo rediseño es que se ha eliminando la sombra paralela, y las sombras del interior de las propias letras son también más sutiles,  lo cual produce la sensación de una imagen de marca más limpia y moderna.  En mi opinión, un acertado cambio.

Google Doodles

La marca de Google se caracteriza también por como se ha transformado de forma simpática y divertida a lo largo de todos estos años para conmemorar numerosas fechas históricas o cumpleños de infinidad de artistas y científicos.

La más reciente y afamada transformación ha sido la realizada para la conmemoración del 30 aniversario del juego Pac-Man, el cual ya mencionamos en este otro artículo.

Pero han sido muchas otras las transformaciones realizadas en estos años, siempre de forma creativa llamándonos la atención en esos momentos en los que queremos usar el buscador con “urgencia” y nos topamos con estas gratas sorpresas que por un momento nos hacen olvidar lo que queríamos buscar.

A estas variaciones del logotipo se les llama Doodles y Google las tiene muy bien archivadas con su fecha y su descripción.

En el siguiente enlace podrán ver toda la colección oficial de Doodles:

http://www.google.com/logos/

Timeline Google:

Timeline de los 10 primeros años de historia de Google:

http://www.google.com/tenthbirthday/#start

Fuentes:

http://elbuzz.wordpress.com/2010/01/08/aprende-a-usar-google-parte-1/

http://google.dirson.com/post/3856-historia-logo-google/

http://www.abadiadigital.com/articulo/como-se-gesto-el-logotipo-de-google/

http://en.wikipedia.org/wiki/Google_logo

http://www.wired.com/techbiz/startups/multimedia/2008/02/gallery_google_logos

Coda integra el editor de código, editor CSS, cliente FTP,  terminal SSH, libros de referencia y navegador web basado en Safari para visualizar en tiempo real  las páginas web.

La acabamos de descubrir, por lo que aún no la hemos puesto en práctica, pero les dejamos aquí unos interesantes vídeos relaccionados.

En principio está solo para Mac OX, bien sea para los que usan un Mac original o para los que usan PC con Max OX instalado, es decir una Hackintosh.

Agradeceremos que aporten sus experiencias con esta aplicación.